Incontournable dans le décor, le tapis a retrouvé toute sa place dans le coeur des collectionneurs et les Manufactures comme les Editeurs font de nouveau appel aux artistes contemporains pour créer des pièces originales. Pour cette Paris Design Week 2020, nous avons découvert les créations de Vincent Darré chez Toulemonde-Bochart, Victor Cadène chez Pinton et Liz Roache chez Pierre Frey.

Vincent Darré s’est ainsi associé à l’éditeur Toulemonde Bochart pour créer une collection de trois pièces aux notes surréalistes qui lui sont chères, mêlant mille références, de Cocteau à Picasso jusqu’aux céramistes de Vallauris. Ses aquarelles ont été traduites grâce à une mise en teinture spéciale et l’utilisation d’une soie végétale pour les lignes de contours. Bleu des Yeux, aux teintes chaudes et aux lignes anthropomorphes ; Profil Nocturne où les couleurs éclatantes répondent à un fond obscur ; et Puzzle Nuageux, dans lequel le créateur rend hommage aux Maîtres de l’Abstraction.

Chez Pinton, Victor Cadène a trouvé le partenaire idéal pour donner vie à deux créations originales, des compositions baroques où règnent en maîtres les motifs et les couleurs. Comme dans ses scénographies de papier où il imagine des mondes miniatures qu’il dessine à la main avant de découper chaque élément au scalpel, l’artiste a choisi de créer l’un de ses tapis en trois parties, donnant au collectionneur la possibilité lui aussi de créer ses propres compositions et mises en scène.

Liz Roache aussi débute chacun de ses projets par des maquettes en papiers découpés et colorés. Elle voue une véritable passion aux couleurs vives et audacieuses et avoue un penchant particulier pour le rouge-orangé que l’on retrouve dans plusieurs de ses créations. Patrick Frey a eu un véritable coup de foudre pour son travail et choisi de reproduire certaines de ses oeuvres originales en tissus, papiers peints et tapis, traduisant bien le subtil équilibre entre transparence et opacité qui caractérise le travail de l’artiste.

Toulemonde Bochart

29 Bd Raspail 75006 Paris · 01 45 48 05 71

Ateliers Pinton

71 Rue du Cherche Midi 75006 Paris . 01 45 44 60 02

Pierre Frey

2 rue Furstenberg 750006 Paris · 01 44 07 15 37

Hervé Van der Straeten et Alexandre Biaggi se retrouvent pour présenter une nouvelle collection à l’occasion des vingt ans de leur première collaboration.

Réunis autour d’une passion pour le design et un goût commun, la galerie édite des pièces inédites créées par Hervé Van der Straeten et propose également de nouvelles versions des modèles iconiques issus de leur première association.

Après des débuts au Marché Paul Bert aux Puces de Saint-Ouen, Alexandre Biaggi s’installe en 1989 rue Jacob avant de s’établir 14 rue de Seine en 1996. Antiquaire et expert dans le domaine des arts décoratifs du XXe, depuis 2000 Alexandre Biaggi édite également du mobilier contemporain avec plusieurs artistes, designers français et internationaux dont il présente des modèles dessinés en exclusivité pour la galerie.

Cette même année, Alexandre Biaggi commence à collaborer avec Hervé Van der Straeten. Ainsi sont nées les lampes Patmos et Éole, le Miroir puzzle.ou encore la table Mycène sur les thèmes du classicisme.

du 25 juin au jeudi 15 octobre 2020

Galerie ALEXANDRE BIAGGI

14 rue de Seine 75006 Paris

Nous habitons un monde de plus en plus saturé d’images. Leur nombre connaît une croissance tellement exponentielle – aujourd’hui plus de trois milliards d’images partagées chaque jour sur les réseaux sociaux – que l’espace de la visibilité semble être littéralement submergé. Comme s’il ne pouvait plus contenir les images qui le constituent. Comme s’il n’y avait plus de place, plus d’interstices entre elles. On s’approcherait ainsi de la limite que Walter Benjamin, il y a un siècle déjà, imaginait sous la forme d’« un espace à cent pour cent tenu par l’image ».

Face à une telle surproduction d’images, se pose plus que jamais la question de leur stockage, de leur gestion, de leur transport (fut-il électronique) et des routes qu’elles suivent, de leur poids, de la fluidité ou de la viscosité de leurs échanges, de leurs valeurs fluctuantes – bref, la question de leur économie. Dans l’ouvrage dont est issue cette exposition, la dimension économique de la vie des images prend le nom d’iconomie .

Les œuvres choisies pour « Le supermarché des images » posent un regard incisif et vigilant sur de tels enjeux. D’une part, elles réfléchissent les bouleversements qui affectent aujourd’hui l’économie en général, qu’il s’agisse de stocks aux dimensions inouïes, de matières premières raréfiées, du travail et de ses mutations vers des formes immatérielles ou encore de la valeur et de ses nouvelles expressions, notamment sous forme de cryptomonnaies. Mais, d’autre part, ces œuvres interrogent aussi le devenir de la visibilité à l’ère de l’iconomie globalisée : entraînée dans des circulations incessantes, l’image – toute image – nous apparaît de plus en plus comme un arrêt sur image, c’est-à-dire comme une cristallisation momentanée, comme l’équilibre provisoirement stabilisé des vitesses qui la constituent.

Dans le supermarché qui s’expose ici, en somme, les images de l’économie parlent chaque fois de l’économie de l’image. Et vice versa, comme si elles formaient un recto-verso.

du 11 février au 7 juin 2020

JEU DE PAUME

1 place de la Concorde 75001 Paris

Le Voyage

Premier volet des expositions anniversaires célébrant dix ans de design américain par Triode, “Le voyage” est un parcours à travers la collection du studio new-yorkais Apparatus. Une sélection de luminaires, mobiliers et objets dans une scénographie imaginée par le directeur artistique Gabriel Hendifar. Fondé en 2012, le studio explore les objets et l’architecture intérieure avec le même vocabulaire sensuel, interprétant l’histoire et la culture à l’aune du design contemporain.

Le Voyage présente aussi Isfahan, une collaboration exclusive avec Pierre Frey et Le Manach (maison historique reprise par Pierre Frey en 2013) : une interprétation textile et moderniste des célèbres marqueteries ancestrales iraniennes, les Khatam. Le motif s’inspire de leur forme étoilée, incrustée de milliers de pièces de bois, de métal et d’os de chameau. Un équilibre géométrique subtil entre tradition et modernité qui puise dans l’héritage perse et le vocabulaire intemporel du studio Apparatus. 

Photos Alexis Toureau

sur rendez-vous

jusqu’à fin juin 2020

www.triodedesign.com

ou 06 07 85 57 61

TRIODE

28 rue Jacob 75006 Paris

La Fondation Custodia présente 86 des 600 dessins italiens qu’elle conserve et qui furent collectionnés en grande partie par Frits Lugt, en l’espace d’un demi-siècle seulement. Sont à découvrir des œuvres exécutées par des artistes de la Renaissance au Baroque, parmi lesquels Filippino Lippi, Andrea del Sarto, Federico Barocci, les Carracci, Palma il Giovane ou encore Guercino.

Avant de devenir objet de collection, le dessin constituait un élément essentiel du travail de l’artiste dans l’atelier. L’esquisse qu’il traçait sur la feuille était son premier geste car elle était la traduction visuelle la plus immédiate et naturelle de son inspiration et de ses idées. Préoccupation majeure de la Renaissance, la représentation du corps humain fit l’objet d’un intérêt constant dans l’art italien au cours des siècles. Cherchant à atteindre un idéal de narration dans une image qui, par nature, est figée et en deux dimensions, les peintres s’attachèrent à représenter les personnages dans des proportions et des attitudes éloquentes.

L’exposition met en avant la manière dont les artistes parvinrent à résoudre les questionnements formels auxquels ils étaient confrontés, grâce à la pratique du dessin. Comment définir la position des modèles et les liens qui les unissent ? Comment traduire les effets d’ombre et de lumière sur les corps ou les draperies ? Comment disposer les figures dans un espace contraint, correspondant à celui de l’œuvre finale ?

du 15 février au 10 mai 2020

FONDATION CUSTODIA

121 rue de Lille 75007 Paris

La collection « efflorescence » est composée de vingt pièces (tables rondes et basses, consoles, assises, vases et miroirs) conçues en 2019 par Virgil Abloh pour la Galerie kreo.

Efflorescence : le nom de cette collection semble paradoxal pour ce qui apparaît tout d’abord comme de solides morceaux de réel pour s’asseoir, se rassembler et se regarder. Au-delà du fait certain qu’il est toujours fructueux de se frotter aux paradoxes, ce terme botanique rend compte du mode de production des pièces proposées. À l’image de ces fleurs sauvages qui s’insèrent dans les interstices et les recoins de l’espace urbain, les trous, les aléas formels et les graffitis qui recouvrent et personnalisent – de manière chaque fois différente – la surface bétonnée offrent une texture visuelle et émotionnelle qui recharge notre environnement immédiat – un paysage où la rigidité des structures et des visées planificatrices rencontre l’aléatoire de la croissance organique et de l’appropriation humaine.

Par sa longueur de près de trois mètres, Bench 2 rappelle les rampes de skate ; par sa présence, il exprime au mieux la volonté du designer de faire entrer le langage urbain dans l’espace blanc de la galerie. Percé de trous irréguliers à intervalles réguliers, revêtu de graffitis (ce geste ancestral de marquage est emblématique de l’ensemble de la démarche de Virgil Abloh), Bench 2 est un Cheval de Troie voué à la déconstruction du générique et aux échanges sur l’ici et maintenant.

Les pièces conçues par Virgil Abloh incarnent les aspirations de notre époque. Il n’est plus question ici de « high » et de « low », de légitimité, d’avant-garde ou d’être un outsider. Il s’agit de produire un design d’interaction, où le dialogue entre le producteur et l’usager est horizontal, où les références passées sont tamisées par l’expérience d’un présent questionnant les usages futurs.

« Pour moi, le design est cette discipline toujours reliée au passé, gardant un oeil vers le futur », indique Virgil Abloh. Ici, le patrimoine du style brutaliste, ses formes et ses idées, sont littéralement troués, extrudés pour servir de piédestal à l’expression créatrice de la rue. Le designer poursuit : « il s’agit de concevoir un langage de subversion de la norme que le touriste comme le puriste peuvent tous les deux comprendre », et tous les deux utiliser.

du 15 janvier au 10 avril 2020

GALERIE KREO

31 rue Dauphine 75006 Paris