Gianluca Pacchioni

Entre simplicité et exubérance, flirtant avec les contraires, le milanais Gianluca Pacchioni travaille avec exaltation les matériaux ancestraux que sont la pierre et le métal. Il se place ainsi dans la lignée des artisans d’art ayant fait de nos intérieurs des écrins pour des réalisations virtuoses. Il forge l’acier, coule le bronze, martèle le laiton dans lesquels il sertit le marbre ou l’onyx sous leur forme brute ou élaborée.

L’exposition Minimal / Baroque est l’occasion de montrer entre autres une variation sur le thème des guéridons Cremino. Ici, l’onyx blanc est enchâssé dans de fines structures de bronze. Le côté laissé primitif de la pierre se reflète sur une plaque de laiton à l’effet miroir, réfléchissant la surface irrégulière, mettant en valeur la force tellurique de la matière. Son autre face est lisse, translucide, presque diaphane, faisant se perdre le regard dans les nuances de brun aux accents dorés ou, pour la première fois, dans une blancheur de glacier. La forme ovale de ces pièces inédites rappelle le mythe grec de la naissance de l’onyx : Venus endormie sur une plage, Cupidon lui coupa les ongles qui se transformèrent en pierre exceptionnelles qui sont depuis utilisées pour orner les plus beaux bijoux.

L’onyx blanc est également utilisé par Gianluca Pacchioni pour le cabinet Metaphysical, petit cube d’onyx et de laiton, haut perché sur des pieds de métal, avec, là aussi, l’effet miroir de la tablette placée en-dessous. Il apparait comme un monolithe blanc, traversé de veines de laiton, à la manière du kintsugi japonais. Cette technique rend l’objet énigmatique : est-ce un bloc, ou un assemblage ? Les réseaux formés par le métal répondent à ceux, naturel, de la pierre. Le Beau est plus qu’un état, c’est le vécu de la matière. Une porte y est cachée et s’ouvre sur un intérieur tout doré, comme un trésor.

Autre nouveauté dans le répertoire de Gianluca Pacchioni, la Galerie Negropontes expose la console Under the Sheets. L’italien a cette fois choisi de travailler le quartzite de Patagonie aux inclusions d’un noir profond, d’or pâle ou d’un brun espresso comme déposées sur une pierre blanche aux nombreuses veinures. Certaines zones sont très opaques, d’autres translucides. La pierre scintille par endroit. Les effets naturels extrêmement graphiques sont mis en valeur par un piétement en forme de vague, en laiton patiné aux teintes mordorées. L’artiste nous propose un jeu tactile, nous invitant à « caresser un corps caché dans un bloc de granit ».

Enfin, l’exposition permettra de découvrir la troisième version du panneau décoratif Fossil. L’élément végétal s’y retrouve prisonnier du métal en fusion, comme aux premiers temps de la Terre. Il reste l’image, la trace, le témoignage de la vie qui traverse ainsi les âges.

à partir du 9 mars 2022

Galerie Negropontes

14-16 rue Jean-Jacques Rousseau 75001 Paris

Ce partenariat exceptionnel entre deux grands musées monographiques offre un regard inédit sur ces artistes de génie qui ont ouvert la voie à la modernité dans l’art. Leurs chefs-d’œuvre sont présentés simultanément au sein des deux monuments historiques qui abritent ces musées nationaux.

L’exposition invite à une relecture croisée des œuvres de Rodin (1840-1917) et Picasso (1881-1973), ces deux grands artistes ayant durablement bouleversé les pratiques artistiques de leur temps pour les générations à venir. Il ne s’agit pas de montrer ce que Picasso a emprunté à Rodin, mais plutôt d’examiner les convergences signifiantes qui apparaissent entre l’œuvre de Rodin et plusieurs périodes de la production de Picasso.

Cette relecture croisée de leurs œuvres se décline en différents chapitres sur les deux lieux, au Musée Rodin d’une part à travers la crise de la représentation du début du 20^e siècle, et au Musée Picasso d’autre part dans les processus créatifs mis en œuvre par les deux artistes. À des époques et dans des contextes différents, Rodin et Picasso participent à une articulation décisive de l’histoire et sans doute est-ce là une des clés de leurs similitudes.

À leur façon, ils inventent un nouveau mode de représentation, expressionniste chez Rodin, cubiste chez Picasso. Pour Rodin, comme pour Picasso, l’atelier est un espace privilégié d’expérimentation sur les formes et les matériaux. Travail en série, fragmentation, assemblage, détournement sont autant d’approches singulières et novatrices. Le travail de l’artiste en perpétuel mouvement, explore un motif en constante métamorphose.

À travers un dialogue systématique, cette exposition riche de plus de 500 œuvres, peintures, sculptures, céramiques, dessins, documents d’archives, photographies invite le visiteur à une relecture inédite de leur parcours artistique foisonnant et innovant.

du 1er juillet 2021 au 2 janvier 2022

Musée Rodin
77 rue de Varenne 75007 Paris

Musée national Picasso
5 rue de Thorigny 75003 Paris

la première grande exposition en France consacrée à l’ensemble de l’œuvre de la photographe mexicaine Graciela Iturbide, des années 1970 jusqu’à aujourd’hui. Pour cette véritable exposition-portrait, l’artiste nous a ouvert les portes de son studio au 37 calle Heliotropo à Mexico, l’un des chefs-d’œuvre de l’architecte Mauricio Rocha qui conçoit également la scénographie de l’exposition. Heliotropo 37 rassemble plus de 200 images, des œuvres les plus iconiques aux photographies les plus récentes, ainsi qu’une série en couleur réalisée spécialement pour l’exposition.

Lauréate du prix W. Eugene Smith en 1987 puis du prix Hasselblad en 2008 – la plus haute distinction photographique – Graciela Iturbide est une figure majeure de la photographie latino-américaine. Depuis plus de 50 ans, elle crée des images qui oscillent entre approche documentaire et regard poétique : « J’ai cherché la surprise dans l’ordinaire, un ordinaire que j’aurais pu trouver n’importe où ailleurs dans le monde ». Si elle est aujourd’hui célèbre pour ses portraits d’Indiens Seris du désert de Sonora ou ceux des femmes de Juchitán ainsi que pour ses essais photographiques sur les communautés et traditions ancestrales du Mexique, Graciela Iturbide porte également depuis toujours une attention quasi spirituelle aux paysages et aux objets. L’exposition présente pour la première fois ces deux versants de l’œuvre de l’artiste et en offre ainsi une vision renouvelée.

Du 12 février au 29 mai 2022

Fondation Cartier pour l’art contemporain

261 boulevard Raspail 75014 Paris

Cerisiers

Au printemps 2021, la Fondation Cartier pour l’art contemporain invite l’artiste britannique Damien Hirst à dévoiler sa dernière série de peintures Cherry Blossoms (Cerisiers en Fleurs). Fruit de deux années de travail solitaire dans son atelier londonien, cette série s’inscrit dans la continuité de ses recherches picturales et témoigne du plaisir de retrouver, grâce à la peinture, le geste de l’artiste. Cerisiers est la première exposition institutionnelle de Damien Hirst en France.

La série Cherry Blossoms réinterprète avec une ironie joyeuse le sujet traditionnel et populaire de la peinture de paysage. Sur la toile, Damien Hirst mêle touches épaisses et projections de peinture faisant référence tant à l’impressionnisme et au pointillisme qu’à l’action painting. Les peintures monumentales, entièrement recouvertes de couleurs vives et saturées, enveloppent le spectateur dans un paysage végétal oscillant entre figuration et abstraction. À la fois détournement et hommage aux grands mouvements artistiques de la fin du XIXe et du XXe siècle, cette série marque une forme d’aboutissement des recherches que Damien Hirst mène depuis le début de sa carrière sur la couleur, la beauté, la perception et le rôle de l’artiste.

D’abord étudiant à Leeds puis au Goldsmiths College of Art de Londres à la fin des années 1980, Damien Hirst devient rapidement le chef de file des Young British Artists, un groupe d’artistes partageant un goût pour l’expérimentation et la création de dispositifs, parfois perçus comme choquants, qui domina la scène britannique dans les années 1990. Les cadavres d’animaux plongés dans d’immenses aquariums remplis de formol de la série Natural History deviennent ainsi rapidement des images emblématiques de l’œuvre de Damien Hirst et de cette scène artistique.

Dès cette époque, la peinture joue un rôle essentiel dans la pratique de Damien Hirst : « J’ai toujours été un grand amoureux de la peinture et pourtant j’ai constamment cherché à m’en éloigner. En tant que jeune artiste, on est nécessairement influencé par les tendances du moment, et dans les années 1980 la peinture n’était pas dans l’air du temps. » Si les toiles des débuts sont inspirées de l’expressionnisme abstrait — qu’il qualifie de « paint how you feel » — il entreprend dès 1986 la série Spot Paintings (non achevée à ce jour) qui s’inscrit davantage dans la lignée du minimalisme et de l’art conceptuel des années 1960. Dans ces œuvres, les points colorés semblent réalisés par une machine, gommant toute trace d’intervention humaine. L’approche qui caractérise Visual Candy (1993-1995), une série de toiles aux titres ironiques composées de taches épaisses et de couleurs exubérantes superposées, est quant à elle déjà une célébration du plaisir de peindre.

Avec la série Cherry Blossoms, commencée juste après l’ambitieuse exposition de sculptures Treasures from the Wreck of the Unbelievable présentée à Venise (2017) qui l’a occupé pendant près de 10 ans, Damien Hirst retrouve la spontanéité du geste pictural. L’image d’une peinture mécanisée, omniprésente dans la série Spot Paintings, est ici remplacée par la faillibilité de la main de l’artiste qui les réalise seul dans son atelier.

« Cherry Blossoms parle de beauté, de vie et de mort. Ces peintures sont excessives — presque vulgaires. Comme Jackson Pollock tourmenté par l’amour. Elles sont décoratives bien que directement inspirées de la nature. Elles parlent de désir, de la manière dont on perçoit les choses qui nous entourent et ce qu’on en fait, mais évoquent aussi l’incroyable et éphémère beauté d’un arbre en fleurs dans un ciel sans nuages. J’ai adoré travailler sur ces toiles, me perdre entièrement dans la couleur et la matière à l’atelier. Les Cherry Blossoms sont tape-à-l’œil, chaotiques et en même temps fragiles, c’est grâce à elles je me suis éloigné du minimalisme, du fantasme d’un peintre mécanique. Et c’est ça que j’ai vraiment trouvé excitant. »

du 1er juin 2021 au 2 janvier 2022

FONDATION CARTIER

261 boulevard Raspail 75014 Paris

La collection Thomas Walther

En 2001 et en 2017, le Museum of Modern Art de New York (MoMA) faisait l’acquisition de plus de 350 photographies provenant du collectionneur suisse Thomas Walther. Cet ensemble, qui constitue aujourd’hui un des piliers de la collection moderne du MoMA, est présenté pour la première fois hors de New York, dans une exposition rassemblant environ 230 images.

Comprenant des oeuvres iconiques de la premiere moitié du XXe siècle, l’ensemble permet d’écrire une histoire des avant-gardes photographiques européennes et américaines. À travers les oeuvres d’une centaine de photographes, de Berenice Abbott à Karl Blossfeldt, de Claude Cahun à El Lissitzky, d’Edward Weston à André Kertész, entre chefs-d’oeuvre et images moins connues, la collection retrace l’histoire de l’invention de la modernité en photographie.

Mêlant les genres et les approches (architecture et vues urbaines, portraits et nus, reportages, photomontages et experimentations…), l’exposition explore les réseaux artistiques de l’Entre-deux-guerres, du Bauhaus au Paris surréaliste, en passant par Moscou et New York. Par sa radicale invention visuelle, l’ensemble rend enfin parfaitement compte de l’esprit d’utopie de ceux qui voulaient changer les images pour changer le monde et fait pleinement comprendre les propos du photographe et théoricien Lazlo Moholy-Nagy qui, il y a maintenant un siècle, affirmait que « l’analphabète du futur ne sera pas l’illettré mais l’ignorant en matière de photographie ».

du 14 septembre 2021 au 13 février 2022

JEU DE PAUME

1, place de la Concorde 75001 Paris

Ithaque

Charles Zana, au fil de son métier d’architecte, a toujours ressenti le besoin de créer un paysage décoratif d’une
grande douceur. « J’aime la beauté des endroits vides, j’enlève les aspérités, les volumes impurs pour créer des
espaces de vie. » Par son expression sensible, il invente des atmosphères aux courbes délicates, aux tonalités subtiles,
un cocon articulé sur le goût et les besoins de ses clients, mais également sur ses convictions profondes. Grâce à
ses réalisations sur-mesure, pour des clients privés et des lieux d’hospitalité, il contribue à la définition d’un espace
global, « la particularité de l’agence est de préciser dans le projet, une solution qui englobe un spectre large, du
général au détail. » Ses références sont issues de la tradition des ensembliers des années 30. Les matériaux naturels
de Jean-Michel Frank, la tension des compositions de Pierre Chareau, le jeu coloré de Luigi Caccia Dominioni et
la sensualité de Gio Ponti nourrissent par touches subtiles et allusives, ses compositions de meubles et de décors.

Fort de ses premières créations de mobilier et de luminaires, uniques par essence, Charles Zana invente sa première collection de mobilier auto-produite haut-de-gamme. Par le choix du nom symbolique d’Ithaque, il exprime la constance de son voyage initiatique tout au long de trente ans d’expérience de l’agence, une boucle inspirée et créative, exprimant son identité, sa valeur.

Déployant un inventaire poétique de meubles raffinés, il propose des tables, un bureau, des assises, une tête de lit et des luminaires pour servir un cadre de vie contemporain à l’usage des amateurs sensibles. Les éditions sont conçues dans le droit fil de ses principes décoratifs : un choix exigeant pour une harmonie de matière, de couleur et de volume. Cette première gamme fonctionnelle exprime une esthétique délicate, quasiment archétypale, dont la présence scelle l’alliance du monde sensible et du regard porté sur lui.

du 19 au 24 octobre 2021

72 rue de l’Université 75007 Paris