Les chefs d’œuvre du Cabinet d’art de Dresde

Une déambulation saisissante dans un véritable cabinet d’art: l’exposition présente la collection exceptionnelle d’œuvres réunies entre les XVIe et XVIIIe siècles par les puissants Princes électeurs de Saxe. Dans la période marquée par la lutte pour le pouvoir impérial entre les Électorats du Saint Empire romain germanique et les cours européennes, cette collection éclatante de richesse montre le pouvoir politique du prince électeur et notamment celui d’Auguste le Fort prince électeur de Saxe et roi de Pologne (1697–1733).

Composée de multiples pépites de la nature, d’instruments remarquables et autres trésors de savoir-faire, la collection réunit tout autant d’objets récoltés à la croisée des continents pour former un monde en miniature destiné à l’étude ou la simple contemplation. La Kunstkammer ou « cabinet d’art » fut ainsi la première collection d’Europe à ouvrir ses portes au grand public, qui la considérait comme un lieu de savoir et d’éducation.

À la manière d’un miroir, la collection reflète les contours géopolitiques, les connaissances et les représentations euro-centrées du monde de cette époque, dominé par une fascination pour le rare ou l’inconnu. Une vision que vous êtes invités à mettre en perspective à la lumière de travaux d’artistes contemporains, sur l’idée originelle du cabinet d’art et de curiosités.

du 14 septembre 2022 au 15 janvier 2023

Musée du Luxembourg

19 rue de Vaugirard 75006 Paris

Un poème de vie, d’amour et de mort

En collaboration avec le musée Munch d’Oslo, le musée d’Orsay consacre une exposition au célèbre peintre norvégien Edvard Munch (1863-1944) dont l’œuvre dans son ampleur – soixante ans de création – et sa complexité demeure pourtant en partie méconnu.

L’œuvre de Munch occupe dans la modernité artistique une place charnière. Elle plonge ses racines dans le XIX^e siècle pour s’inscrire pleinement dans le suivant. Plus encore, son œuvre tout entière est innervée par une vision du monde singulière lui conférant une puissante dimension symboliste qui ne se réduit pas aux quelques chefs-d’œuvre qu’il a créés dans les années 1890. Dépassant le symbolisme fin-de-siècle, Munch transcende ce mouvement au-delà de son apogée pour en faire l’épine dorsale de son œuvre, lui conférant ainsi sa grande cohérence.

Le processus créatif singulier de Munch le conduit à réaliser de nombreuses déclinaisons d’un même motif, mais aussi plusieurs versions d’un même sujet. Éminemment symboliste, la notion de cycle a ainsi joué un rôle clé dans la pensée et l’art de Munch. Elle intervient à plusieurs niveaux dans son œuvre jusqu’à entrer en jeu dans la construction même de ses toiles, où certains motifs reviennent de façon régulière. Pour Munch, l’humanité et la nature sont unies dans le cycle de la vie, de la mort et de la renaissance. Dans ce cadre, il élabore une iconographie inédite, en grande partie inspirée par les philosophies vitalistes de Friedrich Nietzsche et d’Henri Bergson. Munch l’a lui-même souligné en parlant de sa Frise de la Vie : « ces toiles, il est vrai relativement difficiles à comprendre, seront […] plus faciles à appréhender si elles sont intégrées à un tout. »

L’exposition présentera une centaine d’œuvres, peintures, mais aussi dessins, estampes ou encore blocs gravés, rendant compte de la diversité de sa pratique. Cette présentation d’ampleur, à la dimension rétrospective, embrassera l’ensemble de la carrière de l’artiste. Elle invitera le visiteur à revoir dans sa globalité l’œuvre du peintre norvégien en suivant le fil d’une pensée picturale toujours inventive : une œuvre à la fois foncièrement cohérente, voire obsessionnelle, et en même temps constamment renouvelée.

du 20 septembre 2022 au 22 janvier 2023

MUSEE d’ORSAY

1 rue de la Légion d’Honneur 75007 Paris

Treize manufactures, membres du collectif Haute facture de l’Ameublement français, révèlent leurs secrets dans une scénographie de Vincent Darré. Fin connaisseur de l’histoire des arts décoratifs et du bouillonnement intellectuel du XXe siècle, le décorateur couche sur le divan ces maisons porteuses d’un savoir-faire d’exception et fait entrer le visiteur dans un cabinet de curiosités aux multiples références en procédant à une étude très personnelle de meubles et d’objets de Haute facture.  Il convoque ici toutes les grandes figures et courants du XXe siècle en associant du mobilier emblématique de ces grandes maisons et des créations réalisées exclusivement pour l’exposition pour une sorte de voyage initiatique ….

La première pièce présente le travail du laqueur ATELIER MIDAVAINE, « j’ai voulu mettre en valeur les techniques en dessinant une étoile en différentes teintes d’ors et une pyramide en craquelé. Je me suis inspiré des solides de Platon, une structure géométrique, mais aussi d’une peinture d’un « singe décapsuleur ». Découverte de ce singe étonnant réalisé en 1950 par Jacques Midavaine à 20 ans et du tableau Sierra Leone réalisé en 1989, une laque noire éclairée à la feuille d’or blanc, œuvres qui n’ont jamais été montrées au public.

Vincent Darré a dessiné un espace spectaculaire pour POUENAT où il expose une rampe d’escalier sur mesure au décor en fer forgé peint, dorure à la feuille. Plus loin, un chevalet de Yann Le Coadic, la lampe Ypomer de François Champsaur, les lampes à poser Abysse de Valérie Serin-Lok et Sunrise de Rodolphe
Parente.

La chilienne Émile en cuir tressé, nouveau savoir-faire de la maison DUVIVIER CANAPÉS révèle les matières d’exception : cuir pleine fleur doublé de véritable feutre de laine, chêne massif et détails en laiton. On devine ici le geste de l’artisan et ses savoir-faire uniques. Présenté pour la première fois en cuir tressé à l’occasion de la Paris Design Week 2022. Puis le regard se pose sur les tables basses Gaël, comme des galets patiemment sculptés par le temps et les marées qui montrent le travail minutieux d’ébénisterie.

En face, en hommage à Louise Bourgeois, Vincent Darré recouvre des têtes de modistes de tapisserie issues de la manufacture d’Aubusson ROBERT FOUR. On est ébloui par les couleurs exclusives réalisées par le Maître teinturier, par les mélanges de textures et de fils qui peuvent aller jusqu’à six techniques de tissage toujours respectueuses de l’environnement. Le visiteur découvre ensuite une des pièces maîtresses de cette exposition : l’intrigant secrétaire néo- classique « Hypnos » de la maison d’ébénisterie TAILLARDAT qui renferme en son coeur un vase boule décoré signé de la Manufacture des Émaux de Longwy. Les deux faces astrales, le soleil et la lune, le jour et la nuit … posées sur un socle rotatif se reflètent dans un miroir ancien vieilli au mercure. Un petit fauteuil inspiré des années 30 et dessiné par Armand Albert Rateau pour Jeanne Lanvin complète la mise en scène.

Pour clore ce voyage hypnotique et fantaisiste dans l’histoire de l’art, Vincent Darré expose dans la troisième et dernière pièce rouge, des jeux de matières rares avec la console Julianne en frêne, olivier et bronze, les tabourets en bois massif « pris à cœur » ZIGI et le tabouret Tobias en ébène de Macassar et albâtre de la fabrique de mobilier PHILIPPE HUREL.

du 8 au 18 septembre 2022

MONNAIE de PARIS

11 quai Conti 75006 Paris

Selections from the Adrian Dannatt Collection“.

Adrian Dannatt a travaillé, de manière très occasionnelle, comme acteur, écrivain, conservateur, éditeur et artiste. Décrit par Guy Debord comme “ce héros journaliste”, il a également été qualifié de “irritating animated Brit twit” par Entertainment Weekly et, plus récemment de “l’une de ces merveilleuses figures à la Zelig” par Air Mail, . Il a longtemps vécu entre New York, Londres et Paris. Pour sa troisième exposition de ce type à la Galerie Pixi, après celles de New York et de Londres, et du lancement officiel en France du livre de Dannatt et de ses nécrologies sélectionnées, également intitulé “Doomed and Famous” (Sequence Press), il propose une sélection choisie parmi les œuvres d’art et les documents éphémères qu’il conserve soigneusement. Comme le livre lui-même, l’exposition est riche en excentricité, en bizarrerie et en obscurité, un méli-mélo éclectique reflétant un goût très personnel, sans oublier une réticence à dépenser trop d’argent. Certains des personnages dont les nécrologies apparaissent dans le livre ont d’ailleurs des œuvres dans l’exposition, comme Philippe Thomas ou James Metcalf.

Dannatt s’intéresse à ce qui détermine l’acceptable et le rejetable dans le monde de l’art “contemporain” qui s’autodiscipline et il aime jouer avec ces hiérarchies ; ainsi, on peut trouver une cascade de Charlotte Napoléon Bonaparte de 1833 à côté d’une seule ligne conceptuelle de Douglas Huebler de 1971. Des œuvres de la propre famille de Dannatt, que ce soit son père Trevor l’architecte moderniste, son oncle George l’artiste constructiviste, sa mère Joan la graveuse, ou son neveu Gabriel, parmi les plus jeunes artistes de l’exposition. Sans oublier une scène d’atelier parisienne de “notre cousin américain”, l’éminent William Dannat (1853-1929).

Des révolutionnaires, un tableau sauvage de Jacqueline de Jong datant des années 1960, et des réactionnaires, un dessin de 1820 représentant un chien de chasse par le duc d’Orléans. Des noms célèbres, Picasso, Paul Thek, James Lee Byars, Josef Simá, et des outsiders, des merveilles de brocanteurs et des pièces trouvées sur le trottoir. Il y aura de grandes œuvres, comme une installation lumineuse d’Adam Barker-Mill, et de toutes petites, comme une cuillère en argent de Claude Lalanne.

Des cinéastes, Tony Kaye, Alastair Paton, Michael Lindsay-Hogg à côté d’acteurs, Roger Blin, Edith Scob, un musicien Daniel Humair à côté d’une designer Julie Hamisky, des écrivains comme Luc Dietrich et Jonathan Meades à côté d’animateurs comme Caroline Leaf et Delphine Burrus. Certaines choses sont à vendre, à des prix allant de 60 000 euros à 10 centimes.

“Vampirisme inversé” par Donatien Grau

Les objets assemblés dans la « collection » sont comme des fragments de ces rencontres, et donc un vampirisme au second degré. De son vampirisme, aux prises avec la vie, il extrait des objets, relations avec des artistes sur lesquels il écrira, trouvés lors de promenades avec des personnes qui seront aussi des sujets d’écriture, voire même objets de fascination pour d’autres – Patti Smith contemplant un portrait doublement familier … Cette image vampirique qu’Adrian entreprend de se donner est, aussi, un peu une illusion de dandy. On ne peut s’empêcher de penser à Baudelaire, autre dandy, qui voyait dans le temps « cet obscur ennemi qui nous ronge le cœur/ Et du sang que nous perdons croît et se fortifie ». C’est ainsi que Laurence Rickels a pu, parmi d’autres, développer une théorie vampirique de l’existence. Mais à examiner de près ce vampirisme, on se rend compte qu’il ne s’approche pas du tout d’Adrian – voire même qu’Adrian l’a en quelque sorte retourné, comme on retourne un vêtement, déjà usé par les vies, ainsi que ceux qu’il porte lui-même. (….) Le rapport à l’œuvre d’art est le même que celui à la personne ou au texte. L’homologie est absolue. Il n’y a pas de hiérarchie entre ce qui est considéré trivial, public, spectaculaire, et ce qui est plus secret, plus distingué ; la seule séparation est celle du goût, de la recherche d’un caractère ouvert, ce que signale l’anglais « special » plus que le français « particulier ». « Special » c’est ce qui est de l’espèce, et la manifeste dans son ampleur. L’espèce d’Adrian, c’est « la magnifique et lamentable famille des nerveux » que critique Cottard dans A la recherche du temps perdu et dont Yves Saint Laurent fait son identité, lors de son discours d’adieu. Mais cette espèce, chez Adrian, comme d’ailleurs chez Saint Laurent et chez Proust, dépasse son inquiétude pour atteindre une sorte de brillance de l’existence, qui fait que dans la boue il y a de l’or, et que l’or même ne brille que contre de la boue. (….)

_{(Donatien Grau est l’auteur de nombreux textes sur l’art, la littérature, et l’histoire des représentations (dont, récemment, La mémoire numismatique de l’Empire romain). Il est actuellement conseiller pour les programmes contemporains de la Présidence du musée du Louvre.)}

du 3 Septembre au 5 novembre 2022

Galerie Pixi – Marie Victoire Poliakoff

95 rue de Seine 75006 Paris

Portraits

L’un des plus grands photographes de mode au monde mais aussi l’un des plus discrets, Paolo Roversi ne travaille plus aujourd’hui que pour quelques créateurs et magazines triés sur le volet. Ses expositions aussi sont rares : après Studio en 2002, Secrets en 2014, c’est seulement la troisième chez Camera Obscura, sa galerie française.

Didier Brousse, le galeriste, qui fut aussi le tireur de Roversi avant d’ouvrir sa galerie au début des années 90, cite l’immense portraitiste en disant que “Chaque photographie est à la fois un portrait et une autobiographie”.

Depuis ses débuts, Paolo Roversi travaille le polaroid dans son studio de peintre, à la lumière du nord. Les tirages, toujours réalisés au platine, à l’argentique ou au charbon par Tod Gangler, révèlent tous une part de magie et de poésie qui n’appartiennent vraiment qu’à lui et font de chacune de ses photos une oeuvre d’art.

du 3 septembre au 29 octobre 2022

Galerie CAMERA OBSCURA

268 Boulevard Raspail 75014 Paris