Itinéraire Saint-Germain, un nouvel évènement qui nous réjouit après cette longue fermeture des galeries et des musées. Cinq galeries germanopratines aux spécialités très différentes les unes des autres ont décidé de s’associer pour créer ensemble chaque année un itinéraire très pointu à travers les arts décoratifs autour d’un même thème. Rencontre avec Gladys Chenel pour parler d’Animal, cette première édition.

Gladys, on se rencontre aujourd’hui pour parler d’Itinéraire Saint-Germain, que vous créez cette année avec quatre autres galeries, la Galerie Jacques Lacoste, la Galerie Jacques Barrère, la Galerie Xavier Eeckhout et la Galerie Lucas Ratton, une vraie surprise pour fêter ce retour à la vie et à l’art ?

Je crois que c’est ce dont nous avons tous besoin ! Nous avons tous envie de reprendre notre vie culturelle après cette crise. Itinéraire Saint-Germain en sera j’espère l’une des occasions !

Animal est le thème que vous avez choisi ensemble cette année ?

En fait le projet est celui d’un groupe de galeries amies mais qui ont toutes des spécialités différentes. On avait envie de créer un évènement annuel qui reste donc très libre pour chacun. C’est un travail d’équipe, on ne voulait pas être beaucoup pour que cela reste un évènement très spontané. Pour le choix du thème, l’impulsion cette année a peut-être été donnée par Xavier, qui présente dans sa galerie des bronzes animaliers. Chaque galerie a bien sûr été libre dans le choix des pièces qu’elle va montrer, ce sera un peu comme un mini safari dans Saint-Germain !

Cette année, vous avez choisi de confier la direction artistique à Victor Cadène ?

C’est un artiste ultra talentueux. Il est très enthousiaste, très spontané, Il a passé beaucoup de temps avec chacun de nous pour s’imprégner de nos univers respectifs. Il a eu l’idée de créer ces éléments de décor qui seront dans les vitrines des cinq galeries pour présenter les œuvres et créer comme un cheminement avec un code couleur commun.

Il a vraiment un sens de la couleur incroyable.

Oui vraiment ! Il a souhaité utiliser la palette de Mériguet-Carrère qui est vraiment très belle. Il a repris un à un chaque panneau dans toutes les galeries pour y mettre sa touche, c’est vraiment son décor. Dans le logo qu’il a dessiné pour l’évènement, il a également repris chacune des pièces qui seront présentées dans les galeries.

Vous me montrez la pièce que vous avez choisi de présenter ?

C’est un bouc romain du 1^er siècle après Jésus-Christ. C’est une pièce qui n’a encore jamais été montrée. Dans l’antiquité romaine le bouc est très souvent présent dans le cortège dionysaque et dans le mythe de l’Arcadie. Celui-ci a une provenance très intéressante, il faisait partie de la collection d’un marchand viennois, très proche d’Egon Schiele, qui s’est exilé à Londres durant la seconde guerre mondiale et il a été ensuite acquis par un couple de collectionneurs de Chicago qui avait une collection d’antiques incroyable. Nous monterons aussi une sublime panthère assise romaine, d’un Bigio Antico aux nuances presque bleutées, qui date du milieu du IIème siècle après Jésus-Christ, sous l’empereur Hadrien.

Vous êtes à la fois une galerie d’antiques très pointue et un lieu ouvert aux autres formes d’art ?

Oui, nous avons d’ailleurs fait une exposition avec le photographe François Halard l’an dernier. On montre aussi beaucoup la céramique de Picasso, qui fonctionne très bien aux cotés de l’archéologie. C’est aussi sentimental pour nous car mon beau-père, l’antiquaire Alain Chenel, qui nous a quittés l’an dernier et qui nous a toujours soutenus, était un grand collectionneur. Ollivier et Adrien ont grandi au milieu des céramiques et aujourd’hui à la galerie on adore mélanger les deux univers.

On ne travaille pas l’image de la galerie, on veut qu’elle nous ressemble. Notre première galerie rue de Beaune était plus classique, on présentait du mobilier, de très beaux objets aux côtés de l’antique et du jour au lendemain, il y a quatorze ans, on a décidé tous les trois de se spécialiser, de fermer la galerie au milieu de l’année et de tout changer ! On a réouvert après trois mois de travaux pour ne plus présenter que de l’antique. Mais de temps en temps nous mélangeons à nouveau des univers différents pour quelques expositions, de l’ancien au contemporain, parce que  c’est aussi ce que nous aimons, cette idée de mélanger, de mixer les époques. Par exemple, nous organisons à Londres fin juin une exposition avec des confrères spécialisés en sculpture XVIIème.

Vous êtes toujours d’accord tous les trois dans vos choix ?

On a trois personnalités différentes mais complémentaires. Mon beau-frère est également photographe, il a un œil très esthétique, mon mari Ollivier lui est plus dans la recherche, il gère aussi beaucoup les papiers et moi je navigue entre le métier de galeriste et celui de scénographe ! Notre fonctionnement est très simple, si deux d’entre nous font un choix, le troisième est forcément d’accord !

Vous êtes aussi une passionnée de décor. Sur les foires internationales, par exemple, vos stands sont toujours très beaux ?

J’adore créer des décors, que ça bouge, que ce soit vivant. J’aime les lieux qui ont une âme. J’ai la chance de vivre parfois quelques temps chez moi avec des pièces qu’Ollivier rapporte avant de les faire restaurer ou pour les étudier et faire des recherches. Je peux donc en profiter ! Je crois que mon fils a d’ailleurs déjà attrapé le virus du métier, c’est vraiment une histoire familiale !

GALERIE CHENEL

3 quai Voltaire 75007 Paris

Itinéraire Saint-Germain

Animal

du 28 Mai au 10 Juillet 2021

Galerie Chenel

Galerie Jacques Lacoste

Galerie Jacques Barrère

Galerie Lucas Ratton

Galerie Xavier Eeckhout

C’est un lieu à part dans le paysage artistique germanopratin. Un lieu qui bouleverse tous les codes esthétiques d’une galerie traditionnelle. Son nom, Da-End, évoque en japonais la forme ovale. Markus Akesson, Marion Catusse, Lucy Glendinning, Sarah Jérôme, Kim KototamaLune, Mike MacKeldey, Nieto, Toshio Saeki, Carolein Smit, Mitsuru Tateishi, ou Nikolay Tolmachev forment, autour de Quynh et Satoshi Saïkusa, une vraie communauté d’artistes. Da End aura 10 ans l’an prochain, l’occasion de parler de son histoire, de ses partis pris artistiques, philosophiques et esthétiques avec ses deux créateurs.

Votre galerie aura dix ans l’année prochaine, quel regard portez-vous sur ce parcours ?

Quynh : Au départ Satoshi avait le désir de créer un lieu d’échanges, de rencontres entre artistes d’horizons et de disciplines diverses. Cette plateforme idéale est devenue par la force des choses une galerie. Pour nos premières expositions il a insufflé au lieu une identité en sélectionnant des artistes japonais à l’univers sulfureux. Aujourd’hui Satoshi s’est un peu mis en retrait, pour se consacrer davantage à son travail de plasticien mais il apporte toujours sont regard, comme un directeur artistique. Nos artistes sont désormais internationaux mais l’identité de la galerie reste la même, avec sa part de rêverie et d’anti-conformisme.

Vous continuez de choisir ensemble les artistes avec lesquels vous travaillez ?

Quynh : Satoshi et moi avons toujours été fusionnels dans notre regard sur le monde en général et en particulier dans le champ artistique, nous évoluons semble-t-il dans la même direction. Pour le choix de nos artistes – dont l’un des traits communs est indéniablement la virtuosité technique – nous avons toujours été guidés par nos émotions : à travers leurs créations nous percevons ou projetons sans doute notre propre univers, nos propres questionnements. Et au-delà des œuvres il y a bien sûr l’artiste, l’âme plutôt que la main, la personnalité compte pour nous tout autant que les œuvres, surtout lorsqu’on fait le choix de travailler avec des artistes vivants ! C’est ensemble, avec eux, que nous voulons édifier et donner forme à un mouvement inscrit dans le champ de l’Art actuel, avec une liberté de pensée malgré les pressions et les conventions. Et de ce point de vue, nous avons le sentiment de ne pas trop mal nous en sortir. Il y a toujours beaucoup de plaisir et de satisfaction à voir qu’il y a de plus en plus d’intérêt pour nos expositions et les œuvres que nous défendons.

Satoshi : C’était un projet sans beaucoup de préméditation ! Je pensais pourtant qu’il allait nous faire grandir ou mûrir, mais … Ces années ne nous ont pas beaucoup changés, nous sommes toujours curieux, toujours ouverts, toujours « pourquoi pas ? », toujours inconscients peut-être …

Da End est un lieu un peu à part et votre démarche est originale, peu de galerie laissent autant de place aux arts vivants. Vous avez aussi à cœur de ne rien cloisonner.

Quynh : Au fond on se voudrait plutôt curateurs que marchands d’art ! Les échanges avec les artistes, la scénographie de l’exposition, sa mise en scène, l’émotion des visiteurs, l’adhésion des collectionneurs et surtout leur curiosité, c’est tout cela qui nous anime. Les Cabinets Da-End, ces expositions de groupe que nous organisons chaque année sont le condensé du projet que nous avons en tête depuis le début : autour de nos artistes, nous en invitons d’autres que nous suivons assidûment par ailleurs, mais aussi des musiciens, des danseurs, des artisans d’art … Nous organisons ainsi, dans l’esprit des Cabinets de Curiosités du XVIIème, notre propre microcosme en compilant des œuvres hétéroclites, dessins, peintures, photographies, sculptures, vidéos, tout ce qui donne sens à l’art d’aujourd’hui et reflète notre univers. Il ne s’agit pas seulement de faire dialoguer les œuvres entre-elles, ces cabinets sont surtout le résultat de points de rencontre.

Satoshi : je pense qu’il ne faut pas contrôler le mouvement de l’eau … tout en essayant de ne pas la laisser déborder.

Quynh : Les rencontres se font naturellement à partir de la galerie, déclenchées parfois par son identité singulière. A l’occasion du Cabinet Da End 03 par exemple, qui avait pour thématique les Fleurs du Mal, nous avions contacté la Maison Lemarié pour exposer une de leurs fleurs. D’abord surpris par notre demande, puis curieux et enthousiasmés par le lieu, et après quelques échanges et rencontres avec les créatifs, une équipe a été finalement dépêchée pour investir une salle entière de la galerie et créer près de 7000 fleurs en cuir pour l’exposition ! A l’ouverture, les petites mains sont passées voir l’installation, c’était la première fois qu’elles voyaient leur travail exposé dans un lieu public, c’était un moment très émouvant pour elles comme pour nous, et les visiteurs ont été médusés par l’installation immersive sans se demander si c’était de l’Art Contemporain ou de l’artisanat.

Satoshi : Il est arrivé une fois, un soir, qu’un danseur de butô danse spontanément avec une danseuse de ballet et que nous dansions avec eux …Cela arrive lorsqu’on laisse le feu s’enflammer, et la flamme nous enflammer !

Quynh : Dans le champ expérimental, il est arrivé aussi que Satoshi, d’un tempérament pourtant réservé, partage sa pratique personnelle avec le public. A l’occasion d’ Un Dimanche à la Galerie, nous avions occulté toutes les fenêtres, plongeant l’espace d’exposition dans le noir total tout en éclairant les œuvres par quelques bougies. Les visiteurs se retrouvaient aléatoirement enfermés à l’intérieur, Satoshi les invitaient alors à un court moment de méditation au tintement de son kane (cloche). Des inconnus se retrouvaient ainsi, pour partager ensemble un moment de souffle, de silence et de vide. J’étais au départ un peu sceptique, je n’étais pas sûre que cela fonctionnerait, mais cette expérience s’est avérée inouïe et réjouissante pour ceux qui l’ont vécue. Nous ne la renouvellerons certainement pas, car elle doit demeurer unique, mais cela restera un souvenir très intense.

L’esprit, mais aussi l’esthétique de la galerie sont très éloignés du «White Cube» habituel des galeries d’art contemporain.

Quynh : Nous avons certainement obéi, de manière instinctive, à nos propres codes culturels en ce qui concerne l’agencement de l’espace. Le clair-obscur est ici prédominant. Il y a un peu de cet Eloge de l’ombre de Tanizaki qui plane ici et là et nous rappelle que pour appréhender les choses, on doit les laisser se dévoiler entre l’ombre et la lumière. Après avoir monté quelques marches pour pénétrer dans la galerie, on a déjà un peu fait abstraction de la réalité extérieure, puis il faut un temps pour que le regard s’adapte à la semi-obscurité, ce qui force aussi l’attention sur ce qui se passe aux alentours, en l’ occurrence ici sur les œuvres. C’est une certaine façon d’inciter à la contemplation mais aussi à une visite engagée du visiteur.

Satoshi : A la galerie, nous mettons les œuvres en «room temperature», nous ne les conservons pas au réfrigérateur. La galerie est un lieu chaleureux et vivant, elle présente des œuvres destinées à vivre dans des lieux habités.

Quynh : Il se reflète peut-être dans ces espaces le mélange de nos cultures, de nos origines orientales et de notre culture adoptive occidentale.

Justement, pour vous quel est le point de rencontre entre Orient et Occident dans votre ligne artistique ? Vous avez commencé à travailler il y neuf ans avec des artistes japonais et aujourd’hui vous représentez des artistes d’origines et de cultures très différentes.

Quynh : Au début on expliquait justement que c’était le Cabinet Da-End, ce point de rencontre, un prétexte qui permettait de rassembler des artistes de divers horizons. Rétrospectivement, je réalise que depuis toujours, un lien plus profond existe entre nous tous. c’est ce rapport au monde intérieur et à l’indicible, certes très différents selon chacun de nous, mais bien présents dans l’apport de chacun. Satoshi et moi sommes avant tout curieux de la rencontre, c’est bien la raison pour laquelle nous avons créé ce projet : rencontrer des artistes qui nous bouleversent et nous ébranlent par leurs richesses et leurs différences. Les relations sont parfois difficiles et orageuses mais elles témoignent de notre passion. Et la galerie par son espace, par son anachronisme, semble favoriser des moments suspendus où peuvent à la fois se déchainer les passions et se calmer les esprits.

Satoshi : L’Art tout simplement est ce point de rencontre. Dans le rapport à l’œuvre d’abord, il n’y a pas seulement le regard, il y a la vibration, quelle que soit notre culture. Et dans la pratique artistique, nous nous rejoignons sur le spirituel.

En Asie et en Occident, le sacré est perçu de manière très différente. Dans la tradition asiatique, chaque chose est empreinte d’esthétisme et de symbolisme.

Quynh : En Asie tout est question de cosmos ! Le sacré et la spiritualité sont partout, ces notions font encore partie de notre quotidien – les rituels sont respectés – et elles expliquent sans doute notre attitude, et plus généralement nos rapports aux choses. En Occident le sacré est peut-être moins visible dans le quotidien, ou presque seulement à travers l’Art … Avec les artistes, nous nous enrichissons mutuellement de nos différences culturelles, de nos questionnements, de nos rapports à la spiritualité. Ces échanges se reflètent à chaque étape dans nos rapports, depuis la première rencontre jusqu’à l’aboutissement d’une exposition personnelle.

Satoshi : En Asie on vit avec le sacré, qui est partout dans la nature, dans l’objet, dans la nourriture. En Occident peut-être l’a t’on mis à l’écart à force de l’incarner, de trop l’élever ou de se rebeller contre. La beauté d’une tasse de thé a un sens plus profond que sa beauté visible, il y a l’esprit de celui qui l’a fabriquée et le sens même de sa présence qui n’est pas dû au hasard. Des mains l’ont fabriquée, mais il faut remonter encore plus loin, vers d’autres raisons plus mystérieuses, c’est ce qui donne sa beauté à l’objet …

Vous-même Satoshi, vous mêlez votre double culture japonaise et française dans votre travail de plasticien ( Satoshi Saïkusa est par ailleurs un photographe et un portraitiste très reconnu, notamment dans le milieu de la mode ) en travaillant à la fois sur le Memento Mori, occidental, et le Mujô‐Kan, japonais, deux concepts qui ont de nombreuses correspondances.

Satoshi : Actuellement c’est la force de la nature qui me préoccupe. On peut distinguer nettement quatre saisons au Japon et les distances sont courtes de la montagne à la mer, on passe de la douceur à la violence de façon abrupte, sans grandes transitions. Ces éléments naturels conditionnent notre façon de voir et de créer. La nature crée et détruit à la fois. Nous les Japonais vivons constamment avec cette conscience sous la peau, en plus de celle d’être une partie de cette nature. En Occident, la philosophie, les sciences semblent chercher des réponses et le contrôle de la nature. Les Japonais eux cherchent plutôt à intégrer la nature dans leur quotidien, bien conscients qu’elle est la plus forte …

Alors oui le Mujo-Kan et le Mémento Mori traitent du détachement, et plus précisément de l’impermanence des êtres dans un monde éphémère. Ce sont deux visions qui traitent du même sujet mais de façon distinctes. Les deux me concernent. Je travaille souvent avec les éléments iconographiques de l’un et de l’autre : la fleur, le crâne ou le papillon. L’esthétique occidentale se reflète dans mon travail mais c’est plutôt la pensée orientale qui m’habite, la quête de l’indicible.

Je flotte entre les deux cultures et profite de cette richesse, mais je ne vois pas plus clairement où je vais ! C’est bien, memento-vivere.

GALERIE DA END

17 rue Guénégaud 75006 Paris

du 15 septembre au 26 octobre 2019

Qu’elle le veuille ou non, Marie Beltrami est une icône. Une icône discrète, certes, qui ne cherche jamais à avoir sa place sur la photo parmi tous les créateurs ou les gens connus qui l’entourent, mais que tous reconnaissent à la fois comme une styliste de génie et une immense source d’inspiration, un personnage à part. De ses années entre le Palace et les Bains, ses amis chic ou punks, sa longue collaboration avec Jean-Paul Goude, elle n’oublie rien, Marie est une artiste même si elle s’en défend souvent. Sous ses mains, devant ses yeux, chaque chose prend la forme d’une œuvre ou d’un accessoire de mode. Dans sa vie aussi, tout semble être poésie : son univers surréaliste, les murs de son appartement recouverts de petits mots des gens qu’elle aime, les amis qui vont, viennent, restent quelques temps. Son petit Monde à Elle. Ses créations, ses bijoux posés ici et là. Marie est une punk aux cheveux rose bonbon et au cœur de Madone. Elle est une ode à la féminité, à la liberté et à la fantaisie.

Marie, vous avez toujours vécu dans un « entre deux », artistique, créatif, chic et punk à la fois, un monde qui n’appartient qu’à vous.

Marie Beltrami : Oui et maintenant on l’accepte, avant ce n’était pas le cas. J’ai besoin de ça, d’avoir plusieurs espaces, de ne pas rentrer dans des cases. Et puis je n’aime pas les règles. J’ai toujours fait plein de choses. J’en ai longtemps caché certaines, souvent sous mon lit ! Des dessins, des projets de bijoux. Aujourd’hui je les ressors, petit à petit, et j’ai plein de nouveaux projets. J’adore ça ! Quand je me lève le matin et que j’ai envie de créer, que c’est là, c’est mon plus grand bonheur, je n’ai même plus envie de m’habiller, c’est le plus beau moment de ma journée, j’existe vraiment. C’est un peu magique !

Dès votre arrivée à Paris, dans les années 70, vous avez rencontré Nikki de Saint-Phalle, qui vous a tout de suite « adoptée ».

A ce moment-là je m’étais improvisée couturière. Quand j’ai connu Nikki et Marina de Grèce, elles m’ont demandé de leur créer des vêtements. En fait je ne savais pas vraiment coudre, j’apprenais en faisant et en défaisant. A Milly la Forêt, chez Nikki et Jean Tinguely, je cousais, Marina peignait et Nikki sculptait. Avec Marina nous avons créé les costumes des deux films que Nikki a tourné. On ne se quittait pas toutes les deux à ce moment-là et d’ailleurs, chaque fois que l’on se retrouve aujourd’hui, c’est comme une conversation ininterrompue qui reprend.

Puis il y a eu les Années Palace.

Aujourd’hui, les gens me demandent de leur raconter des anecdotes mais je n’ai rien à dire : on se déguisait, on faisait la fête, c’était gai, c’est tout ! Qui était qui ? On s’en fichait ! Quand j’ai connu des punks, j’ai choisi de mélanger tout le monde et ça a marché. Pour fêter mes trente ans, on a fait une fête où se côtoyaient princes, princesses, punks et artistes ! On vivait comme ça à l’époque. On aimait tous le burlesque, la fantaisie. Aux Bains, Farida et Paquita empêchaient certaines personnes célèbres de rentrer mais elles ne le faisaient jamais avec les excentriques.

Votre bande est restée un peu la même, malgré les Absents ?

Les grandes Absentes : Nikki bien sûr. Loulou de la Falaise aussi, on se croisait au Palace mais on a mis longtemps à devenir amies, elle était tellement fidèle, tellement vraie. Puis Jean-Paul Goude, même si nous sommes moins intimes aujourd’hui. Je vois toujours Eva Ionesco, j’ai fait les costumes de son film, qui sortira en janvier, “Jeunesse Dorée”. Son fils Lukas aime venir ici parfois, il s’installe pour quelques temps. J’aime aussi beaucoup la fille de Loulou et de Thadée de Klossowski, Anna. Je suis très proche des enfants de mes amis. J’aime beaucoup Arielle Dombasle, avec qui je viens de travailler aussi pour son prochain film. C’est une belle personne, qui aime vraiment les gens.

Ces nuits-là sont devenues un mythe aujourd’hui.

J’habitais entre le Palace et les Bains Douches, alors les gens se retrouvaient souvent chez moi. C’est vrai, nos nuits étaient un peu folles, on s’amusait beaucoup et nous étions plutôt des originaux, mais moi je travaillais aussi. C’est à cette époque que j’ai commencé à faire des colliers d’épingles à nourrice, grâce aux punks. Je faisais quelque chose avec tout ce que je trouvais, tickets de métro, phares de GS, tapis de douche … et ce sont devenus des sacs, des accessoires.

Des accessoires ou des œuvres d’art ?

Non, c’étaient des accessoires de mode. Je les créais parce que je ne voulais pas ressembler aux autres, porter les mêmes choses, tout ce qui était à la mode ne m’intéressait pas. Ensuite j’ai créé des vêtements, j’ai fait quelques collections mais je n’ai pas eu le temps d’aller plus loin car en 1987 j’ai rencontré Jean-Paul Goude. J’ai arrêté tout travail personnel pour ne plus travailler qu’avec lui mais ça ne me manquait pas parce qu’on était un peu dans le même registre, féérique, on travaillait en symbiose : lui devant, moi derrière, mais j’aimais bien cette place, un peu en retrait. Ca a duré vingt ans. On travaillait énormément, mais on riait aussi.

Quand j’ai repris ma liberté, j’ai retrouvé mes créations, recommencé à travailler pour moi. A refaire des bijoux, des accessoires, à chercher ce que je pourrais faire à partir de rien ou de pas grand-chose, comme je l’avais toujours fait. J’ai commencé une collection de dessins par exemple en voyant des tâches, des formes, en les superposant. Elles sont devenues des personnages à part entière, un peu au gré du hasard. Pour pouvoir créer, je n’aime pas avoir trop d’informations, trop me cultiver, je veux me débarrasser de tout ce que je sais pour pouvoir faire autre chose. J’ai écrit un petit poême qui commence ainsi : « Je ne veux rien savoir pour tout inventer …. « . Bien sûr, comme tout le monde, je vis dans un monde d’images, mais j’essaye de m’en débarrasser.

Certains de ces dessins ressemblent un peu aux poupées cintrées que vous aviez exposé au Musée des Arts Décoratifs ?

C’était un peu la même histoire. J’étais au téléphone, j’avais un cintre dans les mains, je l’ai plié, j’avais un ou deux accessoires rapportés d’un shooting avec Jean-Paul et l’idée de la poupée a surgi. Avec mes bijoux aussi, je prends souvent des objets du quotidien que je transforme et quand ils deviennent bijoux plus personne ne voit l’objet que c’était à l’origine.

Louiz Elizabeth, la souris, est un peu la star de vos créations en ce moment.

Les filles l’adorent oui ! Il y a deux collections, l’une plus précieuse que l’autre. On peut en mettre plusieurs à la fois, les accumuler. Elles sont nées par hasard elles aussi : j’étais chez Alexis Mabille et un chat jouait avec une souris en mousse, je lui ai piqué sa souris et je l’ai redessinée. Les premières souris étaient des broches, maintenant ce sont des bagues.

Racontez-moi l’histoire d’ Une Vie timbrée, une autre aventure étonnante.

Pendant quatre ans, J’ai envoyé environ 350 lettres timbrées avec de toutes petites photos de moi au fil de ma vie, bébé, communiante, jeune femme … ce qui est forcément hors la loi. Je demandais aux récipiendaires de me les renvoyer, oblitérées, le cachet de la Poste faisant foi, et la plupart l’ont fait. J’en ai envoyé à mes amis, Philippe Starck, Jean-Paul Goude, Jean-Baptiste Mondino …. Et quand j’ai compris que tout le monde se prêtait au jeu, j’ai décidé d’en envoyer aussi à la reine d’Angleterre, à Barack Obama ou Angela Merkel, puis à Marie Antoinette, Jim Morrison, Attila, Molière ou Louis II de Bavière, avec comme adresses leurs lieux de sépulture, vrais ou supposés. On me répondait « décédé » ou « inconnu à cette adresse », mais La Poste continuait à me renvoyer ces enveloppes. Tout le monde est entré dans le jeu en me renvoyant un mot, une lettre, un dessin, c’était merveilleux !

Il y a quelques jours, un ami de Marie m’a dit, au détour d’une conversation, “qu’en toute poésie, Marie ne touchait pas terre”. Un joli résumé, à mon avis, pour parler de cette créatrice si talentueuse, de cette personnalité si généreuse et de cette femme à part. A très vite, Marie.

mariebeltrami.fr

Baxter, la Galerie d’Aurélie et Jaime Flor est un lieu à part dans l’univers des galeries d’art. Un lieu hybride, qui présente aussi bien une collection importante de gravures et de dessins anciens que des œuvres d’artistes contemporains : les peintres et graveurs Joseph-Antoine d’Ornano, Annie Rosès, Graziano Tinti, Alain Pic, Sara Fratini, Azuka Kazama, Diane de Valou, Isabelle Sauvageot, Sophie Drouot, Arthur Aeschbacher, Johanna Rylle, la céramiste Louise Frydman, les photographes Julien Drach, Alfredo Salazar ou Frances Ryan, des artistes modernes comme Man Ray et Peskin Kaplan et des designers comme Thomas Lemut et Isabella Garbagnati. Baxter, c’est aussi un atelier d’encadrement sur-mesure où tous les projets sont possibles, grâce au travail de dessin d’Aurélie et de sculpture de Jaime. C’est dans son appartement, quelques étages au-dessus que nous avons eu envie de rencontrer Aurélie, parce que là aussi elle a réussi à créer de toutes pièces un lieu unique, qui lui ressemble infiniment.

Si nous nous retrouvons chez toi Aurélie, c’est parce que ton appartement réunit tous tes domaines de prédilection, mais aussi parce qu’on y retrouve beaucoup de toi et de l’univers de Baxter, ta galerie.

C’est vrai, j’y ai mis tout ce que j’affectionne, tous les artistes que nous représentons à la galerie. C’en est d’ailleurs un peu le prolongement. C’est vraiment un décor que j’aime, que j’ai pensé et fait réaliser à l’aide d’artisans et d’artistes.

Tu as toi-même une formation d’architecture intérieure ?

J’ai fait une école d’architecture intérieure mais je ne savais pas vraiment à l’époque ce que je voulais faire, je savais seulement que ce serait artistique. En sortant de l’école je souhaitais plutôt dessiner ou sculpter. Le décor s’est en quelque sorte imposé à moi de manière naturelle, instinctive. J’ai continué le dessin avec l’artiste Diane de Valou qui m’a ouvert à d’autres choses. Je pense que tout a un lien, ne serait-ce que dans les rencontres et bien sûr l’observation.

Tu as d’ailleurs fait du design textile il y a quelques années ?

Je faisais des toiles peintes et rebrodées pour la Haute Couture. Puis j’ai travaillé sur de plus grandes toiles pour un décor. J’ai très envie de recommencer à en faire, c’est un goût que j’ai profondément.

La couleur aussi est très importante dans ton univers ?

La couleur, les textiles sont pour moi essentiels dans un décor, et dans celui-ci, c’est vrai, j’ai vraiment eu la possibilité de m’exprimer. Pour la couleur, je m’inspire de tout ce qu’il y a autour, ça peut être un morceau de tissu, un objet, un bouquet ou la nature environnante.

Parle moi du travail d’Alain Pic qui a réalisé cette magnifique fresque sur les murs ?

Alain est aussi un ami, mais c’est un être très discret. C’est Annie Rosès, sa femme, qui me parlait souvent de son travail et j’en avais très envie dans ce lieu. Je lui ai donné une thématique, j’avais envie qu’il s’inspire de Wright, de Sonia Delaunay, de Braque et son talent a fait le reste ! C’est lui qui a construit un décor autour de ça, c’est son œuvre à part entière. Il a travaillé comme il le souhaitait, avec sa manière de peindre : il aime mélanger par exemple ce qu’il appelle des vibrations avec des aplats de couleur.

Tu aimes aussi mélanger les matériaux ?

C’est étonnant parce que sur le plan architectural je suis surtout sensible aux XVIIème et XVIIIème siècles, mais ici on a utilisé des matériaux plutôt industriels, en suivant nos envies. J’ai dessiné des verres pour que les lumières traversantes soient diverses, qu’il y ait des jeux, des faisceaux différents selon les moments du jour.

Tu parviens à donner un côté précieux à des matériaux très simples.

Peut-être. D’ailleurs je n’aime pas ce qui est tape à l’œil, dans le sens où j’aime les choses qui se découvrent, souvent au détour d’autre chose. Mais j’aime l’harmonie.

Tu me parlais aussi de ton goût pour les objets, comme pour les artistes chez Baxter, tu aimes beaucoup mélanger les époques ?

Je trouve qu’il est important de mélanger les choses, de voir si elles fonctionnent ensemble. Pour les objets, j’aime l’Ecole de Nancy aussi bien que l’art brut, le style monacal, une certaine épure autant que le XVIIIème siècle. J’aime bien par exemple faire cohabiter les arts populaires avec des pièces plus rares. Chez Baxter, j’aime présenter les luminaires d’Isabella Garbagnati qui relient vraiment l’architecture au dessin, autant que ceux de Thomas Lemut qui sont vraiment tournés vers le design, les céramiques si poétiques de Louise Frydman aux côtés des peintures, des gravures ou des photographies des autres artistes de la galerie.

Tu n’imaginais pas avoir une galerie d’art traditionnelle ?

Non, pour moi c’était une évidence. J’aime le travail de la main, l’artisanat d’art, que je retrouve avec l’encadrement. Mais j’aime aussi les rencontres, le travail avec les artistes. Je voulais montrer que le passé et le présent cohabitaient aussi très bien sur les murs.

Parle moi un peu des artistes que tu affectionnes ?

Ces si divers … Les sculptures de Georges Folmer, de Zadkine, de Giacometti. La peinture et les collages de Matisse, Nicolas de Staël, Vuillard , Hammershoi, les costumes de Léon Bakst, les œuvres de Sean Scully. Les dessins de Martin Ramirez, les tissages de Jules Leclercq, les pastels de Takashi Shuji, les collages de Georges Widener. Et bien d’autres d’ailleurs, souvent restés dans l’ombre.

Chez Baxter vous travaillez de plus en plus pour des demandes spécifiques de décorateurs et de designers ?

Oui le travail de Jaime, mon mari, nous permet de créer de plus en plus de projets sur mesure ou de sculpter des pièces uniques. Jaime se tourne vraiment vers l’artisanat d’art, il est toujours dans la recherche de nouvelles pièces à mettre en forme. Et Fred, qui est là depuis plus de trente ans, continue, lui aussi un travail d’encadrement qui se renouvelle continuellement.

Les pièces uniques que vous créez désormais concernent des éléments du décor de plus en plus divers ?

Oui, très récemment j’ai dessiné et fait sculpter une tête de lit pour un collectionneur. C’est une activité de Baxter que nous développons de plus en plus. Ces périodes de confinement m’ont redonné le goût de la découverte, de la création, en circulant à pieds dans Paris pour aller voir des fournisseurs ou des clients. La ville est si belle et même en cette période trouble elle est inspirante !

Galerie Baxter

15 rue du Dragon 75006 Paris

« Je peux passer 14 ou 15 heures d’affilée sur un tableau. Je commence sans faire de croquis préalable, sans savoir ce qui va sortir de la toile et je ne reviens jamais en arrière », explique Mehmet Güleryüz, dont l’outil de prédilection est le couteau, parce qu’il trouve le pinceau “trop fragile et trop mou”. Les toiles de Mehmet Güleryüz sont traversées d’un bouillonnement de vie qui est l’expression d’une force physique tout autant qu’intellectuelle. Peindre est en effet pour lui à la fois un moyen de penser le monde et de donner forme à ses pensées.

Dans la lignée de l’expressionnisme et de la figuration narrative, dont il se réclame, il projette directement sur la toile dans un élan d’improvisation ses rêveries et ses réflexions. C’est sur la toile que celles-ci s’ordonnent et prennent corps, révélant d’un même mouvement l’être intérieur de l’artiste et le regard qu’il porte sur le monde. Singulièrement celui qu’il porte sur la Turquie.

Depuis les années 60, Mehmet Güleryüz est ainsi l’observateur attentif d’une société turque dont il scrute les évolutions. Témoin du passage rapide d’une économie rurale a une économie industrielle comme des soubresauts politiques de son pays, il est l’un des premiers peintres turcs à avoir osé aborder des thèmes toujours aussi éminemment tabous que celui de la sexualité.

Ses oeuvres sont souvent le reflet d’une société atomisée dans laquelle les individus, même lorsqu’ils arborent fièrement les attributs de la modernité, sont en proie à la solitude, à la peur, et sont placés sous le regard constant d’un Big Brother qui s’immisce jusque dans leur chambre à coucher.

Mehmet Güleryüz, votre formation et vos influences sont à chercher tant dans la culture Ottomane que dans la tradition européenne. Pouvez-vous revenir sur cette double influence ?

Mehmet Güleryüz : “Je viens d’un milieu enraciné dans la tradition ottomane, avec un père dont la famille avait fait partie de la cour du Sultan, alors que celle de ma mère comptait de nombreux janissaires. Je suis né en 1938 dans la jeune République kémaliste, mais mon père était resté très attaché à la tradition ottomane et a tenu à m’initier à l’histoire, à la langue traditionnelle turque qui s’écrit avec l’alphabet arabe, à la calligraphie et à l’art islamique. J’ai toujours dessiné et lorsque j’avais 10 ans, mon père m’a demandé de représenter la circoncision des sultans !
Permettez-moi à ce sujet de faire une parenthèse. Car il y a souvent une grande méconnaissance de l’art islamique. Si l’islam proscrit la représentation du visage du Prophète, il existe néanmoins une importante tradition de la représentation. Mais celle-ci est cachée, elle se trouve principalement dans les livres, avec les enluminures, et c’est un art réservé à l’élite. Il faut aussi se souvenir que Mehmet Le Conquérant a fait venir Bellini à Istanbul afin qu’il réalise son portrait. Mais il n’était pas destiné à être montré au peuple.
Donc, d’un côté il y a cette culture ottomane, qui entretient avec la représentation une relation complexe, cachée. Mais en même temps mes parents m’ont inscrit au lycée français d’Istanbul où j’ai fait ma scolarité et où j’ai donc reçu le même enseignement que les petits français. Il faut ajouter qu’après avoir fait l’Ecole des Beaux-arts d’Istanbul, j’ai gagné un concours qui m’a permis d’avoir une bourse et d’entrer aux Beaux-arts de Paris, où j’ai étudié pendant quatre ans.

Votre famille entretenait une relation forte avec les arts ?

Dans la famille, la culture comptait beaucoup. Il y avait de nombreuses œuvres à la maison et la pratique des arts était importante. La calligraphie était le violon d’Ingres de mes grands-parents. J’avais aussi un oncle maternel qui était marin et qui après avoir écouté une sonate de Beethoven a tout plaqué pour apprendre la musique classique européenne et s’initier au violoncelle. Il jouait dans les salles de cinéma pour gagner sa vie et il en profitait pour faire ses gammes ! C’était un homme extraordinaire qui a beaucoup compté pour moi. J’avais également une tante du côté paternel qui était peintre et qui a contribué à m’ouvrir à la peinture européenne.

Il y a donc cette double influence culturelle mais il y a aussi l’influence du théâtre, car vous êtes aussi comédien. Cela a t’-il joué un rôle important dans votre œuvre picturale ?

Je suis entré à l’école des Beaux-arts d’Istanbul à l’âge de 18 ans et ça ne s’est pas très bien passé. On y délivrait un enseignement académique dans lequel je ne me retrouvais pas. Je prenais en même temps des cours de théâtre et j’ai quitté les Beaux-arts sans abandonner la peinture, mais je me suis alors davantage consacré à l’art dramatique. Je suis entré dans une compagnie d’avant-garde “Arena”, avec laquelle j’ai en particulier joué “Ubu roi” d’Alfred Jarry. C’est là que j’ai découvert la puissance de l’improvisation. C’est quelque chose qui me correspondait et je me suis dit que je pourrais aussi improviser en peinture. Ça a libéré ma pratique ! Je pouvais enfin être dans l’énergie, la vitesse, la spontanéité… La peinture a repris le dessus et je suis de nouveau entré aux Beaux-arts deux ans plus tard. L’improvisation est au fondement de ma pratique : lorsque je me mets devant la toile blanche c’est sans avoir fait de croquis préparatoires, sans même savoir ce que je vais faire et, quand je commence à peindre, je ne reviens jamais en arrière.

Mais cette improvisation ne tend jamais vers l’abstraction ?

J’ai eu dans ma jeunesse une brève période abstraite. Ça n’a pas duré longtemps parce que ce qui m’intéresse avant tout c’est la figure humaine. Et là aussi mon expérience théâtrale a été très importante. Le théâtre, comme la littérature et le cinéma, nous parle de l’homme et je ne voyais finalement pas l’intérêt de mettre l’homme de côté en peinture. J’ai donc résolument choisi de rester dans la tradition figurative, alors que pour beaucoup la modernité semblait résider dans l’art abstrait et l’art conceptuel. Je voulais aussi que ma peinture puisse parler à tous, être lisible par tous.

La spontanéité “expressionniste” de votre peinture vous permet en quelque sorte de jeter sur la toile votre vision de la société, comme un écrivain jetterait à chaud ses réflexions. En Turquie, votre œuvre est considérée comme un miroir sans concession des évolutions du pays.

Il faut revenir au contexte dans lequel j’ai commencé à peindre. La peinture dominante et officielle lorsque je suis entré aux Beaux-arts était figurative. Mais elle n’était figurative qu’en surface. Parce que c’était un art convenu, désincarné. C’est ça que j’ai voulu attaquer de front. J’ai voulu représenter le véritable comportement des gens, ce qu’ils avaient dans les tripes, l’hypocrisie des relations sociales, la façon dont ils “portent leur corps”, leur rapport à la sexualité. Je me suis mis dans la position d’un médecin dans un service de soin intensif : je prends le pouls de la société, je traque les évolutions psychologiques, physiques, je fais des radiographies tout le temps en m’efforçant de ne pas me répéter et de toujours être dans l’expérimentation, de toujours faire de nouvelles propositions. J’ai suivi de l’intérieur l’évolution d’un pays qui joue un rôle important et que l’on ne peut ignorer. Cette évolution fait écho à celle de l’Europe et du monde.

La société turque a-t-elle accepté de se regarder dans le miroir que vous lui avez tendu ?

C’était très dérangeant et provocateur de faire ça. On m’a beaucoup attaqué en me disant que ce n’était pas moral, que mes tableaux n’étaient pas beau, ce qui n’a jamais été une préoccupation pour moi… Mais on ne m’a jamais dit que c’était vulgaire. Je me suis beaucoup battu sans dévier de ma ligne. Pendant longtemps il a fallu que je me débrouille avec très peu de moyens. Il y avait heureusement quelques personnes qui croyaient en moi, quelques collectionneurs qui ont commencé à me suivre. La reconnaissance est venue vers les années 90 et j’ai alors commencé à enchaîner les expositions. J’avais une cinquantaine d’années et j’en ai été très surpris car ça a été très soudain.

Votre notoriété est aujourd’hui très grande en Turquie. La rétrospective que vous a consacrée le Musée d’art contemporain d’Istanbul (Istanbul Modern), a été l’une des expositions les plus visitées dans le monde en 2015. Mais ce qui frappe, c’est que vous avez finalement plus exposé en Europe et aux Etats-Unis dans les années 80, avant d’acquérir cette notoriété, et très peu après. Comment expliquez-vous ça ?

Tout simplement parce que je ne m’en suis pas tellement occupé. Avec le succès rencontré en Turquie à partir des années 90, j’ai fait sur place de nombreuses expositions et j’ai voulu profiter de cette notoriété pour contribuer à changer l’enseignement artistique et les institutions culturelles. J’ai beaucoup enseigné : à l’université et aux Beaux-arts d’Istanbul où j’ai mis en œuvre de nouvelles méthodes pour sortir de l’académisme, j’ai aussi créé mon propre atelier où j’ai donné des cours de 2000 à 2011, j’ai lancé un grand projet national sur le carnet de croquis pour favoriser la pratique du dessin dans l’enseignement artistique. Je me suis également investi dans des organisations. J’ai notamment été président fondateur du Comité turc de l’Association internationale des arts plastiques.

Vous avez aussi tenu un rôle important pour que soit aboli le statut d’artiste d’Etat qui a existé jusqu’en 2000 en Turquie ! Et puis vous avez participé à de grands mouvements citoyens comme “occupy Taksim”, en 2013, ou contre la nouvelle constitution en appelant publiquement à voter non au référendum de 2017.

Je me suis toujours engagé quand j’ai pensé qu’il fallait le faire. Mais à chaque fois je l’ai fait à titre individuel et en dehors de tout parti.

Quelle est la situation de l’art aujourd’hui en Turquie ?

Il y a une situation d’asphyxie pour tout ceux qui croient en un langage artistique universel qui dépasse les frontières et les cultures.