Elu cette année par le magazine AD comme l’un des 100 plus grands designers français, Francesco Balzano a d’abord travaillé auprès de Joseph Dirand avant d’ouvrir son propre studio en 2018 et de commencer à concevoir un mobilier de collection présenté dans différentes galeries d’art et de design en France, en Europe et aux Etats-Unis.

A la même époque, il débute un travail photographique qui ne va plus cesser d’accompagner son travail de création, nourrissant son regard et ses inspirations, car pour lui, l’art est un moyen de voir, une manière d’habiter poétiquement le monde. Né à Paris, où il a grandi, sa culture visuelle est pourtant empreinte des images de Venise, Florence, Rome et Capri, où il passait ses vacances d’été. C’est donc une facette inédite de son travail que nous allons découvrir chez Tourrette, avec l’exposition «Pensieri» qui réunit un ensemble de trente-quatre photographies et une collection de cinq pièces de mobilier résolument contemporaines, illustrant ainsi le lien et la discussion artistique tangible qui s’installe entre les émotions de l’instant et une retranscription volumétrique.

Francesco, c’est la première fois que vous montrez ces photographies réunies sous la forme d’une collection que vous avez appelée « Pensieri » ?

C’est un travail que j’ai initié il y a seulement trois ou quatre ans mais qui ne cesse depuis de nourrir ma création en design. Je voulais absolument le présenter chez Tourrette. Carole Korngold a un univers très singulier qu’on ne retrouve nulle part ailleurs. Mais j’avais très envie de montrer à la fois mes photographies et mon travail de designer, un peu comme un inventaire de mes influences et de mes réalisations, mais aussi un dialogue entre des images qui s’inscrivent dans l’instant et leur retranscription en volume.

Auparavant vous vous « nourrissiez » des photographies d’artistes au langage également très sensible ?

Je dirais que Luigi Ghirri, Paolo Roversi, Sarah Moon, Masao Yamamoto ou François Halard sont un peu mes maîtres en photographie. C’est leur travail qui m’a longtemps nourri et le fait encore.

Que ce soient des nature mortes ou des portraits, “Pensieri” forme un véritable ensemble ?

Toutes ces photographies représentent un travail sur l’instant. Je les ai réalisées entre la France et l’Italie. C’est la lumière sur un objet ou la poésie d’un geste que j’ai voulu capter, car ils sont toujours la trace d’une émotion. J’ai travaillé au Leica, à l’argentique, avec des tirages en chambre noire, à l’ancienne, comme une sorte d’hommage à Henri Cartier-Bresson. Je ne les ai pas recadrées intentionnellement pour que le cadre du négatif soit visible. Dans cet esprit, j’ai aussi choisi un format et un papier qui retranscrivent vraiment ce que je voulais donner à voir.

Dans une nature morte, n’est-ce pas sa propre émotion que le photographe tente de capter ?

C’est un peu la volonté de prolonger un instant, d’en garder une trace significative et intime. Je n’ai pas de règles en ce qui concerne mes sujets, c’est un mélange de beaucoup de choses, des gens, des architectures, des objets, qui, je crois, m’influencent dans mon travail. Ce qui m’intéresse aussi, c’est de créer ensuite un dialogue entre ces images.

Un dialogue que vous initiez avec un accrochage très précis ?

C’est un travail très intuitif mais réfléchi. Une façon presque architecturale de réunir les choses, par blocs, un peu à la manière de Lewis Baltz. J’ai volontairement choisi un encadrement très simple, qui ne prend pas le pas sur les images, pour qu’elles puissent, encore une fois, créer une sorte de dialogue entre elles, une musicalité dans l’espace. Elles font aussi le lien avec mon travail de designer, on y voit des influences et des choses qui me sont chères : l’Italie, l’Antiquité, la Renaissance, la pierre … Ce sont des tirages très académiques qui contrastent avec un design très contemporain.

Car vous avez aussi également créé une collection de mobilier spécialement pour l’exposition et pour Tourrette, comme un écho à cette série de photographies ?

Ces pièces, éditées à  cinq exemplaires exclusivement pour Tourrette, font vraiment partie de la scénographie. Elles sont le lien avec mon travail de designer. Dans cette exposition je voulais montrer le rapport entre toutes les influences qui nourrissent mon travail. J’ai donc créé une collection de  cinq pièces : un banc, un vase, une colonne, une console, un tabouret, fabriqués en résine. C’est une matière très aérienne, presque savonneuse que j’aime beaucoup. Dans un vocabulaire très minimaliste, elles créent un contraste avec les photos qui sont, elles, très académiques. J’avais presque envie que ces pièces s’effacent aux côtés des photographies, qu’elles soient silencieuses, tout en apportant une sorte d’acidité.

Dans vos collections, vous travaillez plus souvent des matières naturelles comme la pierre ou le bois ?

Oui, essentiellement avec des matériaux nobles, qui s’associent si bien avec la pureté des lignes. J’aime le dessin autant que la matière, je dis souvent que je dessine plus avec une gomme qu’avec un crayon, dans la veine d’architectes comme Mies Van Der Rohe.

Pourtant vos créations de designer s’inscrivent tout de même dans un style qui fait référence à l’Italie, avec une forme de richesse dans l’épure ?

Je ne m’en rends pas vraiment compte, mais comme pour mon travail de photographe, mon design est un peu une analogie de mes racines. J’aime le minimalisme mais je n’ai rien contre l’ornement, la pureté des lignes restant pour moi la plus belle des sophistications. Mais je ne suis pas enfermé dans une signature, j’aime l’idée de jouer avec les matières et les formes. Ce qui m’intéresse ce n’est pas la finalité d’un travail mais plutôt le cheminement, l’exploration, l’émotion, le travail avec les artisans d’art aussi. La plupart de mes pièces sont fabriquées par les ateliers Saint-Jacques, qui ne sont pas une entreprise mais une association qui forme de jeunes artisans. Au-delà de leur travail exceptionnel, c’est aussi cette idée de transmission qui me plaît.

Francesco Balzano

Pensieri

à partir du 6 janvier 2023

Tourrette

70 rue de Grenelle 75007 Paris

Laurent Lévêque

lauleveque@orange.fr

Condé Nast

La Fabrique du Chic

Le premier ouvrage de Jérôme Kagan était consacré au peintre Eugene McCown (Séguier, 2019) qui, de New York à Paris, de Londres à Venise, en passant par la Riviera, fréquenta les salons et les ateliers des artistes les plus importants de l’entre-deux-guerres. La merveilleuse Odyssée des Années Folles, qu’il poursuit cette année avec une autre biographie, celle de Condé Nast, le fondateur de Vogue et Vanity Fair. Tout à fait dans l’air du temps pour nous avec l’exposition Shocking ! Les Mondes surréalistes d’Elsa Schiaparelli au MAD ou encore Chic ! au Mobilier National. C’est une petite Histoire dans la Grande que Jérôme Kagan nous raconte, en nous faisant plonger dans la vie d’un homme mais aussi dans ces années du siècle dernier où tout semblait possible, pourvu que l’on ait de l’esprit ou du talent.

Jérôme, dans cette biographie de Condé Nast, vous nous faites vraiment entrer de plain-pied dans les années folles de l’entre-deux-guerres ?

Évidemment le personnage de Condé Nast (1873-1942) me passionnait : sa réussite internationale, son mystère, ses failles… Mais j’ai souhaité mettre plus particulièrement l’accent sur la période de l’entre-deux-guerres. C’est en effet dans l’immédiat après-guerre que débute l’aventure des éditions Condé Nast à Paris. En juin 1920, Condé Nast lance la version française de la revue Vogue. Deux ans plus tard, en 1922, il s’associe à Lucien et Cosette Vogel et devient le propriétaire du Jardin des modes, une publication qui perdurera jusqu’en 1997. Revenir aux Années folles était pour moi, il est vrai, un plaisir. J’avais déjà écrit sur le sujet dans mon précédent ouvrage et j’ai tendance à penser, comme Gertrude Stein l’a décrit dans son autobiographie, que c’était l’époque où tout le monde à Paris avait 26 ans et où tout le monde était talentueux. Et puis, du point de vue social, c’est encore une époque où l’esprit et la culture tiennent lieu de sésame. Si vous étiez brillant, cultivé ou si vous aviez simplement un peu de hauteur sur le monde, vous aviez vos entrées absolument partout.

Aux États-Unis, les choses sont un peu différentes. Bien plus qu’en Europe, qui est pourtant le continent des cours et de la noblesse, il existe une hiérarchie sociale. Les Américains sont obsédés par cela. On vous demandera toujours quelles sont vos origines, ce que faisaient vos parents. Pour classer les gens, les USA inventent, en 1887, le Social Register, l’équivalent de notre Bottin mondain, qui dresse la liste des personnalités fréquentables du Nouveau Monde. La première édition compte 5 000 noms car il a bien fallu tenir compte des fortunes minutes, nées du pétrole, de l’acier, du rail… La bonne société est outrée : c’est beaucoup trop ! Cinq ans plus tard, le New York Times publie une nouvelle liste qui compte cette fois-ci 400 noms : les fameux Four Hundred, établis pour la plupart à New York ou en Nouvelle-Angleterre. Pour établir ce classement, ont été systématiquement exclus « tous ceux qui seraient mal à l’aise dans une salle de bal ou bien dont la présence pourrait mettre les autres mal à l’aise » ! C’est dans ce contexte que va naître Vogue, une revue qui va s’ériger comme un rempart contre le mauvais goût et les nouveaux riches.

Condé Nast crée Vogue en 1909 ?

J.K : On croit souvent que Nast a créé Vogue. En fait, la revue a été créée par un autre que lui, Arthur Baldwin Turnure en 1892. Il s’agit au départ d’une petite gazette mondaine réalisée de manière très artisanale. Quand Condé Nast la rachète, en 1909, Vogue ne compte que 14 000 abonnés. En quelques années, il va faire de Vogue une revue internationale destinée à élever l’élégance au rang de vertu. Il faut dire que la revue arrive à point nommé : la bonne société a besoin d’être rassurée dans ses convictions et ses choix de vie. En même temps, les nouvelles fortunes souhaitent acquérir de manière accélérée les codes de la bonne société : Vogue va leur fournir les clefs qui leur ouvriront les portes du beau monde. Condé Nast n’est pas né dans une famille des Four Hundred, ni même du Social Register. C’est un homme de chiffres bien plus que de chiffons. Mais il a le don de s’entourer des bonnes personnes. Aussi va-t-il nommer très vite une rédactrice en chef, Edna Woolman Chase, qui sera en poste de 1914 à 1952 !

Puis il rachète un autre titre de la presse américaine, Vanity Fair ?

J.K : Il repère d’abord une revue de mode très élitiste, Dress, qu’il pense être une concurrente dangereuse pour Vogue et la rachète dès que ses moyens lui permettent. Ensuite il tombe sous le charme du titre d’une autre revue, Vanity Fair, qui sous couvert de rendre compte de l’actualité de Broadway publie des photos de comédiennes dans des tenues légères. Naturellement, Nast, ne conserve que le titre de la revue, dont il va d’ailleurs faire brûler les archives. Il a enfin l’idée d’associer les deux titres dont il vient de faire l’acquisition. C’est ainsi que Dress and Vanity Fair naît en 1913. Mais le concept éditorial est mal établi et la publication ressemble trop à Vogue. Pour dénouer la situation, Condé Nast sollicite le concours de son ami Frank Crowninshield, un esthète américain élevé en Europe. Crowninshield accepte de relever le défi à condition que Nast débarrasse la revue de tout ce qui a trait à la mode. Le magazine Vanity Fair voit ainsi le jour sous sa direction en 1914. Il s’agit d’une revue de société, dédiée aux élites, comme Vogue, qui se propose de faire le tour, sur le mode de l’humour, de tous les sujets dont en parle dans les dîners mondains : politique, actualité artistique, élégance …

Crowninshield y publie les poèmes, les nouvelles et les articles de certains des jeunes écrivains les plus passionnants des années vingt : Alexander Woollcott, Aldous Huxley, Edmund Wilson, Gertrude Stein, T. S. Eliot, Djuna Barnes, Dorothy Parker, F. Scott Fitzgerald et Thomas Wolfe On peut aussi y trouver les premières reproductions d’œuvres d’artistes comme Picasso ou Matisse. La revue porte vraiment la marque de Crowninshield, ce rédacteur en chef singulier, né et éduqué en Europe, dont le père fut durant deux ans le directeur de l’Académie américaine de Rome. Dans les années trente, malheureusement, l’équipe éditoriale ne comprend pas qu’elle assiste à un tournant politique et que, avec la montée des fascismes, la situation internationale devient de plus en plus préoccupante. Beaucoup d’Américains ont de la famille en Europe et s’inquiètent de ce qui se passe de l’autre côté de l’Atlantique. Le ton de Vanity Fair et son parti pris de rire de tout ne conviennent plus à cette nouvelle décennie. Le magazine souffre également de la chute drastique des revenus publicitaires pendant la Grande Dépression, aussi Condé Nast est-il obligé d’annoncer la mise en sommeil de la revue en février 1936.

Certains confèrent à Crowninshield la paternité de la Café society, d’autres préfèrent la donner à Nast ?

J.K : Ce qu’on sait c’est que, vers 1922, pour célébrer ses succès, Condé Nast organise à New York une fête à laquelle il souhaite réunir tous ses amis : aussi bien Mrs. Vanderbilt que le jeune compositeur George Gershwin, ce qui est tout bonnement impensable à l’époque. Lui choisit de le faire quand même et, à la surprise générale, sa soirée est une vraie réussite ! C’est le début d’une époque de fêtes où tous les cercles se croisent, grâce aux fameuses listes préparatoires dressées par Nast pour chaque soirée et qu’on a découvertes par la suite : les gens du monde d’abord, puis les artistes (couturiers, peintres, dessinateurs, photographes…) et enfin les vedettes (acteurs de cinéma, de théâtre, danseurs, chanteurs, mannequins). Condé Nast est le premier aux États-Unis à mélanger ces gens pour créer une émulation sans pareille.

C’est une période de fêtes extraordinaires ?

J.K : À partir de 1925 et de son emménagement dans son penthouse de Park Avenue, Condé Nast organise tous les quinze jours des fêtes somptueuses où le champagne coule à flots (nous sommes en pleine Prohibition). Tout ça, nous le savons car, avec sa passion des chiffres, Nast consignait tout : les listes de ses invités, le nombre de bouteilles bues, le nombre de kilos de caviar consommé, les fleurs achetées, les serveurs embauchés… En fait, pour Nast, ces réceptions sont de vraies tortures : il est extrêmement mal à l’aise en société. Mais il est convaincu que, en tant que patron d’un groupe de presse qui a fait de l’élégance son cœur de métier, il doit donner au monde l’image d’un mondain. Il est vrai que les Années folles sont marquées par un déchaînement de fêtes plus mémorables les unes que les autres. En France, le comte Étienne de Beaumont, la vicomtesse de Noailles ou encore les Pecci-Blunt donnent l’exemple.

Pour revenir à Vogue, le lectorat est d’abord new-yorkais mais le foyer créatif est lui encore à Paris ?

J.K : New York au début du XXe siècle n’a d’yeux que pour Paris. L’esprit est à Paris. L’élégance est parisienne. À l’époque la mode se crée là, autour de la place Vendôme et la rue de la Paix. L’équipe de Vogue a d’ailleurs eu très peur au début de la Première Guerre mondiale car les liaisons étaient coupées entre les deux continents et il était inconcevable de parler mode sans savoir ce qui se faisait en France. À Paris les couturiers hommes étaient mobilisés et fermaient leur boutique les uns après les autres. Les couturières, comme Chanel ou Vionnet, étaient privées de petites mains, réquisitionnées pour faire tourner les usines en l’absence des hommes. Bref, il a fallu du temps pour que la mode continue envers et contre tout. En attendant, Edna Woolman Chase, la rédactrice en chef de Vogue, a dû se tourner vers les couturiers new-yorkais pour organiser de toute urgence un défilé et créer ainsi une actualité. Mais les membres de la Society n’étaient pas du tout intéressés par la mode américaine. Les femmes du monde comme Mrs. Stuyvesant-Fish ou Mrs. Astor ont assisté à ce défilé américain uniquement parce qu’Edna Chase avait eu l’idée de génie de faire reverser le produit des ventes à une organisation caritative qui venait en aide aux veuves et aux orphelins de guerre en France. Bien heureusement, un an plus tard, malgré les privations, les femmes ont pris les commandes de l’économie de la mode, et les collections ont pu réapparaître. Chez Vogue on a pu enfin souffler.

D’emblée la revue invente et instaure un style ?

J.K : Que ce soit dans les pages dédiées aux mondanités, celles réservées aux arts graphiques, aux arts décoratifs ou à la mode, Vogue agite un petit vivier de talents, souvent peu ou pas encore connus, dont la réputation s’impose avec le temps. « Il faut courir plus vite que la beauté » disait Cocteau. Sans doute Condé Nast et ses équipes l’ont-ils compris très tôt, puisqu’ils donnaient à voir, à lire, à comprendre les meilleurs artistes du siècle quelle que fût leur audace, parfois indigeste pour le plus grand nombre. Les pages de Vogue sont aux avant-postes de tout ce qui se fait de beau et de raffiné. Vogue a parlé très tôt du talent de Schiaparelli, de Jean-Michel Frank ou de Mallet-Stevens. La réussite des revues du groupe repose sur la recherche de l’excellence dans tous les domaines de la création. Pour cela, Nast et son équipe sollicitent les plus grands couturiers, les meilleurs illustrateurs comme Georges Lepape, Brissaud, René Bouët Willaumez, Christian Bérard, les meilleurs photographes : le baron de Meyer, Edward Steichen, Man Ray, Cecil Beaton, Hoyningen-Huene, Horst P. Horst, André Durst, Roger Schall… Les plumes les plus innovantes, les plus exigeantes, connues ou pas comme Colette, Giono, la princesse Bibesco ou Anna de Noailles écrivent dans Vogue.

Et chacun s’inspire librement du travail des autres ou collabore avec eux, ce qui est tout à fait nouveau ?

J.K : Vogue et Vanity Fair sont des précurseurs dans ce dialogue ininterrompu entre les arts, qui est sans doute une des particularités de l’entre-deux-guerres. La mode s’inspire de la peinture : Schiaparelli collabore avec Dali, Marie Laurencin crée les décors et les costumes du ballet Les Biches, Gabrielle Chanel conçoit les costumes du ballet Le Train bleu sur un livret de Jean Cocteau … Les photos de mode réalisées par Vogue s’inspirent elles-mêmes de l’esthétique des avant-gardes. Condé Nast confie par exemple à Christian Bérard le soin de croquer les dernières créations des couturiers parisiens. Les photos de mode réalisées par Hoyningen-Huene prennent pour décor des meubles de Jean-Michel Frank. Le photographe André Durst porte la marque de l’esthétique surréaliste du moment et met en scène des mannequins de cire inspirés par l’œuvre de Dali. J’ai trouvé également des textes publiés dans Vogue qui évoquent le talent de Jules Leleu et Jean Pascaud, des ensembliers qui sont présents dans l’exposition Chic ! au Mobilier national.

Le rôle des mécènes est aussi très important à ce moment-là, ce sont de grands esthètes ?

J.K : Étienne de Beaumont et sa femme ou les Pecci-Blunt ont, à l’instar des Noailles (on disait “les Charles” à l’époque), joué un rôle majeur auprès des artistes de leur temps en tant que mécènes. Ils avaient réellement le goût du risque : les Noailles par exemple, mettaient leur fortune et leurs réseaux au service de l’art sous toutes ses formes… Lorsqu’ils ont souhaité faire construire leur villa d’Hyères, au milieu des années vingt, ils n’ont pas hésité à en confier la réalisation à un architecte encore inconnu, Robert Mallet-Stevens. C’était la première construction de style moderne réalisée en France.

On pense que Condé Nast a inspiré à Francis Scott Fitzgerald le personnage de Gatsby ?

J.K : Quand Fitzgerald publie The great Gatsby en 1925, Condé Nast est l’un des exemples les plus spectaculaires de la réussite américaine : né dans le Missouri, il a grimpé l’échelle sociale comme Gatsby, a fait fortune très tôt, il vit entre New York et les Hamptons, il a le goût des Rolls, il donne des fêtes spectaculaires auxquelles il assiste en retrait, et comme le héros de Fitzgerald, il a le goût des femmes européennes…

J’aime d’ailleurs beaucoup le personnage de Clarisse Coudert, sa première femme, qui a beaucoup aidé son mari. Elle était effrontée, enthousiaste, volubile : en un mot, tout ce qu’il n’était pas. Comme elle venait d’une famille de la High Society, Condé Nast lui doit d’être entré dans les cercles les plus fermés de New York et dans le fameux Social Register ! Elle lui fait rencontrer quelques talents aussi, notamment le photographe Edward Steichen qu’elle a rencontré lors d’un séjour prolongé en France. Furieusement indépendante, elle était partie vivre à Paris quelque temps après la naissance de leur second enfant pour devenir cantatrice ! Le couple finira par divorcer après la rencontre de Clarisse avec un pur produit de la High Society, au contraire de Condé Nast qui, lui, avait dû faire fortune pour s’imposer. Mais Clarisse lui laisse une leçon de vie formidable sur la nouvelle condition féminine.

C’est une période majeure pour l’émancipation des femmes, comme on a pu le voir avec les femmes artistes dans l’exposition Pionnières cette année au musée du Luxembourg ?

J.K : Tout à fait. J’avais d’ailleurs très envie, en écrivant ce livre, de mieux connaître l’impact des revues comme Vogue sur le lectorat féminin. Les femmes ont connu, avec la Première Guerre, une certaine indépendance financière. Le fait que l’on crée des revues coûteuses qui leur étaient dédiées était une chose révolutionnaire, comme une bulle d’oxygène qui leur offrait une certaine vision du beau, de la sophistication. En 1914, dans l’éditorial inaugural de Vanity Fair, Frank Crowninshield écrit que « Pour la première fois dans l’histoire des États-Unis, une revue va s’adresser aux femmes et à leur intellect ». De même, Condé Nast est l’un des premiers patrons à faire confiance aux femmes. En parlant des femmes, en faisant écrire les femmes, il leur donne une voix et les revues du groupe nous permettent d’avoir une idée assez précise de ce à quoi ressemblait le mode de pensée des femmes de l’époque. C’est un matériau passionnant.

Homme de l’entre-deux-guerres, Condé Nast s’éteint le 19 septembre 1942, en même temps que sombre le monde qui l’avait consacré, ruiné par la crise de 1929 dont il a en vain tenté de se relever ?

J.K : Condé Nast perd tout avec la crise de 1929. Vanity Fair est sacrifié en 1936. Condé Nast a fait bonne figure jusqu’à la fin, mais il s’est littéralement tué à essayer de sauver son empire et à faire en sorte que Vogue reste la revue exigeante qu’elle a toujours été. En ces temps de guerre, il a également à nouveau très peur de ne plus avoir accès à la mode parisienne, il fonde donc Glamour of Hollywood, qui deviendra Glamour et, en faisant cela, il est vraiment clairvoyant car c’est un moment où la mode et le chic se font aussi à Hollywood. Le magazine rencontre un succès immédiat, c’est un modèle qui s’impose mais qui désole un peu Condé Nast et Frank Crowninshield quant à son positionnement et son contenu. Les interviews et les vies des vedettes d’Hollywood ne représentent pas, pour eux, des sujets très intéressants. Malgré tous ses efforts, Condé Nast ne laisse à ses héritiers que des dettes. Ironie du sort, son groupe, dès 1945, fera à nouveau des profits incroyables …

Une autre génération de la Café Society apparaît dans les années cinquante ?

J.K : Cette génération est beaucoup moins libre et extravagante que la précédente. Le snobisme commence à prendre le pas sur l’exigence, la société de consommation est en marche. Dans les années cinquante, il y a des personnages intéressants mais je pense qu’ils doivent vraiment beaucoup à leurs aînés. Pour moi, il y a d’ailleurs un vrai tournant en 1951 avec le Bal du siècle donné par Charles de Besteigui à Venise. Cette fête, donnée au Palazzo Labia, représente sans doute le crépuscule de cette Café society. Paul Morand, qui y assistait, raconte d’ailleurs que « Ce genre de fête n’existera plus jamais » et il a raison : nous sommes dans l’un des plus beaux palazzo de Venise, les invités sont venus des quatre coins du monde, on n’a rien à y vendre, rien à y gagner, juste l’envie de s’amuser. Aujourd’hui un évènement comme celui-ci serait sponsorisé par une marque ou s’inscrirait dans une démarche marketing. Le seul moment où l’on a pu retrouver cet esprit libre et indépendant c’est peut-être, beaucoup plus tard, avec les Années Palace : connu ou pas, si vous aviez du style ou du bagou vous pouviez entrer et participer à des fêtes incroyables, tout le monde se mélangeait, mais ça n’a malheureusement pas duré très longtemps.

Y a-t-il aujourd’hui des héritiers à cette élite qui portait si haut le goût de l’élégance ?

J.K : Karl Lagerfeld faisait partie de ces gens-là : polyglotte, il parlait et lisait dans quatre langues, extrêmement cultivé, collectionneur, maniant l’humour comme personne, c’était vraiment un personnage. Il avait aussi une forme de pudeur qui était une vraie noblesse. Oui, il était pour moi l’héritier de cette génération de précurseurs.

Jérôme Kagan

La Fabrique du chic (Séguier, 2022)

Eugene McCown (Séguier, 2019)

Suivre José Lévy relève du jeu de piste à travers la mode, le design, les arts plastiques et les arts décoratifs. Hermès, la Manufacture de Sèvres ou celle de Saint-Louis, la Maison Lelièvre, Serax, Lexon ou même Monoprix … Du Musée Guimet au Musée de la Chasse ou au Palais de Tokyo, il voyage d’un projet à l’autre sans que l’on devine jamais où sera le prochain rendez-vous. Mais si l’artiste est curieux de tout c’est aussi pour nous surprendre. Un peu comme un jeu donc, dont il serait le maître à jouer et nous les spectateurs émerveillés. Aujourd’hui c’est dans un jardin que nous l’avons retrouvé, l’un de ses préférés, pour parler avec lui de ses nouvelles collections de mobilier, mais surtout pour découvrir un projet magnifique présenté au PAD 2022 en collaboration avec Leblon-Delienne.

José, on vous retrouve pour un évènement que nous attendons tous avec impatience, la nouvelle édition du PAD Paris qui débute le 6 avril ?

J.L : Deux ans et demi que Leblon Delienne et moi rongeons notre frein en attendant de présenter ce projet autour des Kokeshi !

Dans ce projet on retrouve le Japon, l’intime, le jeu, des thèmes récurrents dans votre travail …

J.L : Je collectionne ces petites poupées japonaises depuis longtemps, notamment celles des années 30 à 60,70. Ce qui m’intéresse dans les kokeshi, ces objets emblématiques de la culture populaire japonaise, c’est qu’il sont à la fois une chose et son contraire : charmants mais aussi dérangeants, de simples quilles sans bras ni jambes qu’on l’offre aux enfants, et il y a aussi toute une littérature autour, on dit qu’autrefois on les offrait aux femmes qui faisaient des fausses couches …. Pour ce projet je les ai transformées en totems surdimensionnés, entre 1,50 et trois mètres, comme des ombres noires laquées de noir ou gainées de cuir en utilisant les savoir-faire de Leblon-Dedienne. Nous en avons créé aussi de plus petites, en bois brûlé ou en laque noire …

J.L : En complément à ces statues physiques, j’ai aussi créé des Kokeshis NFT (De l’anglais Non Fungible Token, un NFT est « une unité numérique non fongible, associée à un objet immatériel dont elle garantit l’authenticité et la traçabilité grâce à la technologie blockchain), j’en ai dessiné 46 et nous allons en montrer cinq en hologrammes au PAD (que l’on peut également voir ici : https://foundation.app/collection/kokeshi

Vous utilisez les savoir-faire ancestraux aussi bien que les nouvelles technologies ?

J.L : Pour moi c’est la même chose, la démarche est la même, j’utilise juste les techniques les mieux adaptées à l’objectif que je me suis fixé.

En ce début d’année ce sont aussi deux nouvelles Collections de mobilier que nous avons découvert, pour la Maison Lelièvre et pour Serax ?

José Lévy : La Maison Lelièvre n’avait encore jamais créé de mobilier, le seul élément existant qui pouvait s’y apparenter était le coussin et j’ai en quelque sorte joué avec en appelant ma collection « Jeux de salon ». Je me suis inspiré des jeux d’enfants qui prennent souvent possession du salon en déconstruisant cette pièce, en créant des cabanes avec les différents éléments de mobilier ou en chevauchant les accoudoirs, toute cette liberté qui me plait beaucoup. Mais toutes ces pièces ont aussi des influences japonaises, avec un design près du sol Mais toutes ces pièces ont aussi des influences japonaises, avec un design près du sol où ces micro architectures sont posées sur des socles de bois laqué noir, rouge ou miel, ou encore celles des années 1970, où l’on était souvent assis par terre, sur d’immenses tapis.

J.L : « Fontainebleau », que j’ai créée pour Serax, c’est une autre histoire, un projet très personnel, puisque c’est une collection de mobilier extérieur que j’avais créée pour ma propre maison de campagne. C’est une maison que j’adore, à seulement une heure de Paris, mais au milieu de la nature. J’ai absolument tout refait à l’intérieur, dessiné tout le mobilier et c’est très joyeux ! La collection « Fontainebleau » se compose donc des six éléments qui sont mon salon de jardin : un canapé, une chaise, un tabouret, une table ronde, un lit de repos et une table d’appoint, qui s’adaptent aux différents moments que l’on passe dans un jardin. Mais c’est un mobilier qui ne se limite pas seulement aux belles journées d’été ensoleillées, le reste de l’année on peut aussi choisir de le laisser dehors ou de l’installer à l’intérieur de la maison.

Avant Jeux de Salon, vous aviez créé il y a quelques années Jeux de table pour la Galerie S.Bensimon ou encore une sorte de théâtre nocturne pour votre exposition chez Emmanuel Perrotin, Il y a souvent un aspect ludique dans vos créations ?

J.L : Jeux de Tables partait de quatre formes géométriques, un triangle, une croix, un cercle et un carré ouvert qui étaient tour à tour jeu de construction, sculpture, ou mobilier minimaliste.

J.L : Chez Emmanuel Perrotin, pour l’exposition Oasis : Luconoctambules, j’ai joué avec l’imaginaire collectif : j’ai créé un jardin du Luxembourg nocturne où les arbres devenaient des ombres éclairés par la lune, les souris les pions d’un étonnant jeu d’échecs.

De même lorsque vous travaillez avec les savoir-faire de la Manufacture de Sèvres ou de Saint-Louis, par nature plutôt traditionnelles, vous n’hésitez pas à jouer avec le fond et la forme ?

J.L : Chez Saint-Louis, les Endiablés sont des objets qui multiplient les usages. Les Feuilles à tout en porcelaine noire émaillée de blanc, matière signature d’Astier de Villate, sont aussi à la fois des assiettes, des plateaux, des vide-poches ou des sculptures … Ici aussi J’aime l’idée que chacun puisse s’approprier l’objet en lui donnant la fonction qu’il a choisi.

Vous jouez donc beaucoup avec notre perception des choses, mais la sensualité des matériaux semble aussi être importante pour vous ?

J.L : On touche beaucoup les choses avec lesquelles on vit, certaines, comme la collection Rochers que j’ai créée pour Hermès, appellent même à la caresse. Ces trois sculptures représentaient les parties émergées de deux étalons figés dans ce qui semblait être de l’eau et la texture du cuir, le travail de gainage si minutieux donnaient aux courbes de l’animal beaucoup de sensualité. Mais on peut avoir envie de toucher à tout, un tissu, du verre, du papier …. Je fais toujours appel aux sens.

J.L : Au Bon Marché, pour une carte blanche, je m’étais amusé à transformer la passerelle qui relie les deux magasins en un passage où tous nos sens étaient sollicités, comme un pont imaginaire entre Paris et Kyoto qui prenait la forme d’une expérience temporelle et physique.

Parlez-moi du Japon, c’est très souvent un fil conducteur dans votre travail ?

J.L :  J’ai une histoire personnelle et intime avec le Japon, dans un constant va-et-vient entre le Japon contemporain et les objets que j’ai côtoyé durant mon enfance auprès de mon grand-père qui était collectionneur d’art japonais mais avait aussi une entreprise de fabrication d’arts martiaux et de kimonos. Il a été durant 40 ans le fournisseur officiel de tatamis pour les Jeux Olympiques et c’est avec lui, grâce à lui, que j’ai fait ma première expérience du japon : c’était très naturel pour moi de manger avec des baguettes ou de côtoyer une magnifique armure de samouraï à la maison, à une époque où voyager dans un pays si lointain était très rare. Ce qui était exotique c’était plutôt d’écouter certains de mes copains raconter leurs vacances chez des grands-parents agriculteurs, à la campagne, je ne connaissais pas ce monde-là qui pourtant était géographiquement très proche.

Ensuite avec mes collections de mode je suis allé régulièrement au Japon. En 2011, J’ai été invité à passer cinq mois en résidence à la Villa Kujiyama, à Kyoto, cinq mois magiques. C’est en rentrant à Paris ensuite, que j’ai commencé à convoquer le Japon dans nombre de mes projets.

J.L : Puis en 2014, j’ai réalisé la scénographie de la soirée de réouverture de la Villa Kujiyama. C’est un endroit magnifique, un bloc de béton reposant contre la montagne, perdu au milieu d’une jungle. Pour cette scénographie, j’ai jeté le lieu dans l’obscurité totale, ne l’éclairant qu’avec 500 bougies que j’ai conçues pour Diptyque. Je les ai disposées suivant un chemin de 3 étages, elles dégageaient un parfum incroyable, très fort, et lorsqu’on arrivait en haut, sur la terrasse, on découvrait une immense Nebuta, une lanterne de 7 mètres de haut, réalisée avec l’Université des Arts Traditionnels de Kyoto selon la technique traditionnelle. Une réinterprétation de l’armure de Samouraï que je regardais pendant mon enfance, chez mes grands-parents. Je l’ai appelé Le Veilleur. Un pont entre la France et le Japon, entre mon histoire passée et présente.

Dans votre travail vous convoquez souvent l’intime, le vôtre, le nôtre, mais en revanche vous n’évoquez pas de références historiques ?

J.L : Non, plutôt des souvenirs, des impressions. Paris est une matrice incroyable, la nature, les voyages aussi, l’architecture, le cinéma … Les Années 70 me plaisent beaucoup, j’aime la liberté de Memphis par exemple, mais je suis toujours curieux d’histoires nouvelles, le passé nous encombre déjà si souvent. J’aime l’idée que chacun puisse surtout s’approprier les choses, sans références. Je commence souvent mon travail avec des souvenirs personnels, mais ensuite Je n’impose jamais une manière précise d’utiliser ce que je crée. Ce qui m’intéresse c’est justement l’intimité qu’on aura avec l’objet que j’ai créé, qu’il rentre vraiment dans la vie des gens qui le choisiront.

Vous avez une grande liberté de création, vous vous confrontez à des domaines très différents ?

J.L : Oui mais j’aime le concret, c’est vraiment ce qui m’intéresse. Une collaboration c’est une conversation. Toutes ces pièces sont réalisées en France avec une précision incroyable. Je travaille beaucoup dans les ateliers, les usines à discuter et partager avec les artisans. Le savoir-faire est un outil sublime mais cela reste un outil qui ne doit pas être trop sacralisé. Le charme, la poésie d’un objet, sa désidérabilité, vont au-delà de ça. Encore une fois, ce qui m’importe ce n’est pas tant de créer un objet, mais plutôt de susciter un plaisir, une envie.

Vous aviez la même approche lorsque vous étiez Directeur Artistique dans la mode, pour votre propre marque, ou encore pour Ungaro ou Nina Ricci ?

J.L : Je crois oui, chacun pouvait s’approprier mes pièces en les associant ou pas. J’aime raconter des histoires, créer des collections complètes, dans tous les domaines, même si l’on peut choisir de n’acheter qu’une pièce et de raconter sa propre histoire. Mais dans la mode il n’y a pas seulement le vêtement, il y a aussi tout ce qui tourne autour :  la scénographie des défilés, la création des décors, les collaborations avec des artistes, toutes ces choses que j’ai eu envie d’explorer par la suite.

Il est rare de rencontrer un créateur aussi éclectique, dont le travail touche à tant de savoir-faire, pourtant vous n’aimez pas le terme de « Touche à tout » ?

J.L : En effet ! C’est souvent un abrégé de « Touche à Tout, Touche à rien ! » Eclectique, curieux et concentré  me paraissent plus justes. Comme je vous l’ai dit, j’aime raconter des histoires, je le fais de manière instinctive. Et je travaille : que je crée un projet avec Hermès ou bien avec Lexon, j’y mets le même sérieux, la même énergie, quel que soit le cahier des charges, c’est aussi la Règle du Jeu.

du 5 au 10 avril 2022

PAD Paris

Jardin des Tuileries 75001 Paris

Nouveau lieu et nouvelles inspirations pour la galeriste Carole Korngold, à mi-chemin entre l’atelier et la galerie. Elle nous reçoit aujourd’hui entre les murs du mythique Tourrette, haut lieu de la vie germanopratine depuis toujours.

Chère Carole, je te retrouve entourée de nouveaux artistes et dans un nouveau lieu ?

C.K : Oui c’est une nouvelle aventure. Les artistes que j’expose appartiennent à des champs très divers, sculpteurs, céramistes, peintres, plasticiens, photographes … mais un fil rouge les relie tous. Chez Tourrette, j’aimerais tracer une voie en restant vraiment libre, dans la lignée des femmes galeristes du vingtième siècle qui m’inspirent, comme Iris Clert, Denise René, Dina Vierny ..

Tourrette apparait comme un vrai tournant pour toi ?

C.K : J’ai toujours aimé et recherché créer avec quelques pièces choisies une rencontre esthétique. A travers ma vie professionnelle je me suis rendu compte que je faisais d’avantage partie de la famille des artistes que de celle des marchands. Tourrette est effectivement un tournant car il s’agit d’inventer un nouveau chemin de marchand d’art, ou de le reformuler, à la manière dont l’entendaient des personnalités comme Jean Fournier, en faisant un vrai travail d’accompagnement et de défense.

Tu es une véritable esthète, mais au-delà de ça, le travail de la main a toujours été primordial pour toi ?

C.K : Ca n’a pas changé. Je me situe toujours du côté des Arts and Crafts. J’évolue avec des artistes pour qui le « faire » et le sensible sont essentiels. J’aime le processus de création et la relation à l’histoire et à la mémoire.

Ce nouveau lieu est donc celui de tous les possibles ?

C.K : Je me tout de suite sentie complètement à ma place et dans mon rôle, comme si toutes les années précédentes m’y avaient préparée. Et le lieu m’inspire. Je n’aurais pas pu travailler dans un cube blanc.

Tu continues tout de même de chiner avec ce regard singulier qui plaît tant aux collectionneurs ?

C.K : J’accompagne le travail des artistes avec quelques pièces que je chine oui. C’est un assemblage, une conversation. Ce lieu est comme un nouveau cabinet d’art contemporain, un lieu d’amateurs et de collectionneurs, un studiolo. A chaque exposition il y a de nouvelles connivences, des rencontres qui se font. Et si je suis ici ce n’est pas le hasard, c’est un rendez-vous ! J’ai toujours connu cette adresse. L’an dernier le lieu était libre, j’ai parlé à Olivier Lorquin, le fils de Dina Vierny et propriétaire de Tourrette de mon idée de galerie singulière, de cabinet d’amateurs, et cela lui a plu : il m’a serré la main et m’a dit, « Ce sera vous ! ». C’était le début d’grande aventure.

Tourrette
70 rue de Grenelle 75007 Paris

Deuxième exposition de Mary Clerté à la Galerie Pixi. Dans « Les Voies sauvages », il y a trois ans, elle évoquait la maternité et la manière qu’elle avait eu de l’appréhender. Cette fois, avec « Canine », c’est une autre forme de féminité qu’elle explore. Une féminité plus accomplie peut-être mais toujours complexe, car pour entrer dans le monde de Mary il y a souvent plusieurs portes à ouvrir qui, l’une après l’autre, nous laissent aller bien au-delà des apparences.

Mary, parlons d’abord de ton univers : foisonnant, unique, il révèle de multiples influences et semble tout entier dédié à la création ?

Je dessine depuis toujours, baignée dans l’univers artistique de mon père notamment, le peintre Jean Clerté. Mais plus jeune je regardais aussi beaucoup de clips et je voulais absolument apprendre à en réaliser. Ma mère, californienne, m’a aussi toujours beaucoup inspirée et je pense que je lui dois ce goût presque acidulé pour les univers très colorés, les couleurs vives, mais aussi pour ces femmes américaines des années 70, avec leurs manteaux de fourrure, leurs brushings ou leurs grandes lunettes noires, cette esthétique très particulière du cinéma d’Hitchcock, des premiers films de Roman Polanski… Mais j’ai aussi été élevée avec les comédies musicales, « Un américain à Paris » ou les films de Jacques Demy et mon univers, je crois, relève de tout cela.

A la fin de l’adolescence tu fais un bref passage aux Beaux-Arts de Paris ?

Oui mais je leur ai vite préféré une boite de prod dans laquelle j’ai fait tous les métiers et très vite j’ai réalisé mes premiers films. Depuis j’en ai réalisé beaucoup, notamment pour des Maisons de luxe, mais sans jamais abandonner l’illustration, J’aime m’exprimer sur des mediums et des supports très différents, illustration, films, collaborations avec des marques ou expositions.

Dans ta première exposition à la Galerie Pixi tu évoquais la maternité d’une manière très particulière ?

“Les voies sauvages” évoquaient celles par lesquelles on accouche. La question du corps féminin était vraiment au centre de l’exposition. J’avais commencé cette série peu après avoir eu mon premier enfant. Enceinte je m’interrogeais souvent sur cette sensation de corps étranger à l’intérieur de soi, c’est un moment où notre corps ne nous appartient plus vraiment. Je faisais très souvent un rêve dans lequel j’accouchais d’une brebis ou d’un lapin …

Après cette première exposition tu as continué d’explorer la féminité avec une série de portraits intitulée ” Housewives ” ?

C’était un peu mon point de vue sur la vie domestique, avec une note d’humour bien sûr ! Mais je suis fascinée par ces femmes parfaites en apparence et qui cachent une noirceur qu’on ne soupçonne pas. C’est pour cela que j’ai choisi de teinter leur visage de rouge.

Il y a toujours un côté plus sombre dans ton travail, derrière une imagerie parfois naïve ou au contraire très glamour ?

C’est humain, on révèle tous quelque chose derrière notre apparence, une face cachée, notre côté animal
certainement !

Ta manière d’évoquer les choses, à la fois féministe et féminine, est assez singulière. Ton travail se découvre en deux temps : le dessin d’abord, la profusion de couleurs, puis un discours que l’on ne devinait pas au premier abord ?

J’aime bien les contrastes et je dessine de manière très instinctive, comme un besoin physique, vital. Le discours vient ensuite. Quand j’ai terminé et que j’ai toute la série devant les yeux, je réalise vraiment ce que je voulais exprimer. C’est mon langage.

Aujourd’hui, ce sont des portraits de femmes encore différents que tu nous donnes à voir ?

Dans cette nouvelle série, les femmes nous affrontent du regard, elles ne sont pas du tout victimes, elles assument leur côté sauvage. C’est plus pop visuellement, avec des couleurs franches que je trouve glamour justement. Les femmes qui m’entourent, celles que je croise ou que j’admire,sont vraiment pour moi une grande source d’inspiration, j’aime explorer derrière une image, parfois lisse, les petites choses qui font une personne, fouiner derrière les apparences pour découvrir autre chose. Depuis que je suis maman, je m’interroge sur les modèles que j’ai eu et celui que je veux donner ….

Ces femmes ont toutes une tâche au coin de la bouche, est-ce du sang, du rouge à lèvres ?

J’aime bien qu’on se pose la question. Sans ou avec du rouge à lèvre, il y a un débordement. On peut imaginer que ces femmes ont mordu quelque chose ou qu’elles ont été mordues, mais c’est aussi une référence à l’animal, au sauvage.

D’ailleurs tu as choisi intituler cette exposition « Canine » ?

Pour plusieurs raisons. Il y a une citation de Pierre Nozière que j’aime beaucoup : « Mais d’homme à chien on peut tout de même s’entendre, parce que les chiens ont quelques idées humaines et les hommes quelques idées canines» … Mais la canine est aussi notre dent la plus pointue !

MARY CLERTÉ

‘CANINE’

du 14 février au 11 mars 2023

Galerie Pixi – Marie Victoire Poliakoff

95 rue de Seine 75006 Paris