Entre Art Déco Et Modernisme

Patrick Frey, le célèbre décorateur René Prou était donc votre grand-père maternel ?

Patrick Frey : Oui, le père de Geneviève, ma mère. C’est un peu grâce à lui que nous sommes tous là. Quand il a créé sa Maison en 1935, mon père est allé voir tous les grands décorateurs parisiens, dont René Prou, pour leur présenter ses premiers tissus. Prou lui a naturellement présenté sa fille, dessinatrice textile. Ce fut un coup de foudre et mon père demanda ma mère en mariage trois jours plus tard. Maman rentra chez Frey et elle y resta quinze ans. En 1947, l’année de ma naissance, mon grand-père mourrait, je ne l’ai donc pas connu, mais ma mère m’a raconté des milliers d’histoires sur lui, qui ont bercé mon enfance.

P.F : C’était vraiment un homme de son temps, il a participé aux grands chantiers de son époque. L’entre-deux-guerres était une période de grands changements, et la fabrication des plus beaux paquebots ou de trains mythiques en fut l’un des signes : l’ouverture sur le Monde, le goût du voyage … Et pour les Arts Décoratifs le passage de l’Art Nouveau, à l’Art Déco et au Modernisme. René Prou fut l’une des figures majeures de tout cela.

Il vivait dans une effervescence créative permanente, entouré d’artistes, de Paul Poiret aux Delaunay ou Jacques-Émile Ruhlmann, avec qui il travaillait mais faisait aussi des fêtes mémorables dans sa maison de Normandie. C’était un homme fantaisiste, drôle, toujours en mouvement. Quelquefois il rentrait chez lui le soir, avec une équipe de peintres, et envoyait toute la famille à l’hôtel. Les enfants étaient ravis, ma grand-mère, elle, beaucoup moins ! Mais huit jours plus tard ils rentraient tous dans un nouveau décor. C’était aussi un professeur adoré par ses élèves aux Arts Décos et à Duperré.

Pourquoi avoir attendu si longtemps pour faire un livre sur sa vie et son travail ?

P.F : Ma mère, Geneviève avait une passion pour son père. Quand elle a eu 100 ans, elle était dans une forme incroyable et ma femme Lorraine a eu l’idée et l’envie de faire ce livre, de raconter l’histoire de cet homme tant aimé par sa belle-mère. Maman devait bien sûr en faire l’Edito, mais elle est malheureusement morte trois ans plus tard. Elle a tout de même eu le temps de parler longuement à Lorraine, de lui raconter son père, mais aussi le grand décorateur qu’elle ne cessa jamais d’admirer.

Moi je ne me suis occupé de rien. Ma femme me montrait parfois des documents qu’elle découvrait mais c’était son histoire et grâce à elle j’ai vraiment redécouvert mon grand-père et son travail.  C’est aussi elle, et Sophie Rouart, qui ont eu l’idée de faire une exposition dans notre showroom, comme une évocation du travail de mon grand-père, en reconstituant un compartiment mi-bateau, mi-train, avec des objets, des dessins que je possédais encore ou que nous avons retrouvé chez des collectionneurs.

Qu’est-ce qui vous rapproche du style de René Prou ?

P.F : J’aime l’élégance des formes, des matériaux, elle est intemporelle. Comme lui, j’aime la couleur, les essences de bois précieuses, la laque, le japonisme … Nous développons maintenant une collection de mobilier et j’espère pouvoir bientôt rééditer le mobilier de mon grand-père.

On trouve dans vos archives aujourd’hui, presque quatre siècles d’histoire des arts décoratifs.

P.F : Mon père s’en fichait complètement. Il remisait ses vieux tissus, ses dessins, dans des placards et ne les regardait jamais. Il se fichait du passé, regardait toujours devant. Il me disait aussi que de toute façon, les plus beaux dessins étaient dans deux Maisons, Braquenié et Le Manach. L’Histoire de France était là. C’est aussi pour ça, pour le remercier, que plus tard j’ai souhaité acquérir Braquenié.

Pour en revenir à nos archives, mon demi-frère, un jour, m’a proposé de mettre tout cela en ordre. Il faisait ça à ses moments perdus, de manière un peu artisanale. Et puis, il y a une dizaine d’années, j’ai reçu une lettre, écrite sur un joli papier rose, de Sophie Rouart, qui était alors au Musée de la Toile de Jouy, elle avait envie de travailler pour un éditeur de tissus. Elle est entrée dans la Maison et a remis de l’ordre dans tout ça avec de vraies méthodes de conservation. Elle connait absolument toutes nos archives et c’est un puits de science. Si avec le studio on évoque un thème, une idée de travail, elle sait exactement ressortir les documents qui pourront nous aider.

De mon côté, je ne vis pas en regardant dans le rétroviseur, mais j’aime tout conserver. Et les archives nous servent tous les jours dans la création. Mais pour moi une archive n’est pas forcément un dessin, ça peut aussi être un meuble, un morceau de tapis, un vêtement, tout m’inspire.

Vous les trouvez au cours de vos voyages ?

P.F : Oui parfois, au fin fond du Vietnam comme à L’Isle sur la Sorgue en chinant chez un broc, ou même à Drouot.

Vous faites partie de ceux qui représentent le Style Français un peu partout dans le monde.

P.F : Quand je présente des collections, aux Etats-Unis notamment, on me dit toujours « It’s so french ! ». C’est notre patrimoine, notre force. Les grands hommes politiques l’ont souvent compris : de Napoléon, avec l’Egypte ou l’Italie, à Mitterrand, avec la Pyramide du Louvre. D’ailleurs, toutes les grandes Maisons reviennent maintenant aux sources de leur création.

La Maison Pierre Frey c’est une histoire d’hommes soutenus par des femmes, votre mère d’abord, puis votre femme Lorraine.

P.F : Je dois beaucoup à ma mère, elle m’a appris à regarder, elle a formé mon regard. Elle m’emmenait en voyage, visiter des villes, des expos. Elle arrêtait la voiture pour que je regarde un coucher de soleil jusqu’au bout.  Elle me disait souvent : « Je t’ennuie mais quand tu travailleras chez ton père tu me remercieras ». Pour elle c’était une évidence. Avec mon père ils m’ont aussi appris à reconnaître les jolies proportions, d’une maison, d’un toit ou même d’une porte.

Ma mère a fait la liaison entre René Prou, mon père et moi. Ma femme Lorraine fait un peu la même chose aujourd’hui. Elle a, elle aussi, un sens des formes extraordinaire. Mais nous n’avons pas toujours les mêmes goûts, elle est beaucoup plus minimaliste que moi !

Comment faites-vous pour décorer vos maisons ensemble ?

P.F :  On s’arrange. Chacun enlève quelque chose ou en accepte une autre !

Votre studio est lui aussi très féminin.

P.F :  Quatre jeunes femmes. Quatre personnalités différentes et complémentaires. Deux sont spécialisées en papiers peints et deux en tissus. On travaille en osmose, le regard que nous portons sur les dessins est souvent le même. C’est comme en cuisine, tout le monde s’active et tout le monde est talentueux, mais il faut un Directeur artistique pour trancher au bon moment, comme dans tout processus créatif. Chaque collection est un risque, il faut lui donner une direction, et à ce moment-là on est seul. Je donne le thème, le studio se réunit, chacun de nous l’interprète à sa manière. En partant d’une idée, on peut la twister et arriver à tout autre chose, c’est ce qui est merveilleux dans la création.

Pour le dessin, je travaille comme mon père. Avoir son propre studio de dessinateurs limite la création. Je fais appel à des dessinateurs extérieurs qui ont tous leur patte, des univers différents. Nous en voyons une centaine par an, ils apportent une richesse supplémentaire à la Maison. Pour moi la créa, c’est comme un grand entonnoir, on y met des idées, des créatifs, le Studio, les documents de Sophie, moi …. Puis je suis en dessous, je reçois le résultat et je dois pouvoir tout revendiquer, je suis garant de l’esprit de la Maison Pierre Frey.

C’est une belle histoire de transmission, de René Prou, jusqu’à vos trois fils aujourd’hui.

P.F :  Mon père m’a tout de suite laissé une liberté totale. Il me disait “Fais comme si j’étais mort”, je lui répondais “Mais enfin Papa tu es là” et nous sommes restés 25 ans ensemble ! Mais il m’a tout de suite laissé la direction de la Maison et il a immédiatement voulu que je crée des tissus. J’avais la chance folle de pouvoir faire mes propres choix et, je crois, un certain bon sens qui m’a permis de traverser les décennies. Mais si mes trois fils, Pierre, Vincent et Matthieu, n’avaient pas eu, eux aussi, une certaine fibre artistique, une passion, ils ne seraient pas rentrés chez Frey. J’ai aussi voulu ce livre pour leur montrer aussi d’où ils venaient. Vous savez, mon Grand-père, avant de connaître mon père, faisait créer ses tissus chez Le Manach, que j’ai racheté il y a quelques années. Tout a un sens dans cette histoire, c’est comme une chaine dont René Prou a été le premier maillon, il était temps de lui rendre hommage.

Maison Pierre Frey

27 rue du Mail 75002 Paris

François, on peut dire que vous avez une œuvre plutôt protéiforme : dessin, gravure, mais aussi design d’objets et décors ?

Je n’ai pas de définition précise du métier d’artiste. Depuis toujours j’aime dessiner, alors assez logiquement dès que j’ai pu, je me suis dirigé vers le monde de la création. Si je dois donner un sens à mon travail, ce serait plutôt celui de participer au processus d’évasion du tumulte de la vie contemporaine ; de montrer et de donner à aimer la superbe nature que nous avons autour de nous et que nous détruisons sans cesse ; de la considérer à égalité avec l’Homme. Il est important de rester connecté à celle-ci, pour moi c’est fondamental ; c’est pourquoi je la dessine par besoin et par plaisir.

J’utilise aussi bien le pinceau, la pointe sèche, le crayon, le dessin, la gravure que le lavis sur papier chinois marouflé sur toile. Je travaille aussi in-situ pour certains décors. Mais j’aime aussi utiliser d’autres supports pour mes projets, avec Hermès par exemple, j’ai créé des carrés de soie, un service en faïence et un papier peint. Il m’est aussi arrivé de créer des décors de vitrines et exceptionnellement je fais du paysagisme.

Vous êtes aussi paysagiste ?

Je dessine depuis toujours. Quand je suis arrivé à Paris en 1971, je dessinais le cosmos, des planètes, des architectures et des plantes très bizarres. Je prenais des cours de modèle vivant à Montparnasse et des cours de gravure chez Jean Delpech. En 1973 pour pouvoir vivre, je suis entré chez Jacques Bédat et Franz Baechler, architectes paysagistes et décorateurs floraux. Je me suis tout de suite passionné pour le monde végétal et le paysage. Ils m’ont très vite sollicité pour faire les plans de jardins et dessiner les projets de décors. Cette période à été très riche pour moi : j’ai pu participer à des projets importants pour des jardins fabuleux, chez les Rothschild, les Patino, les Beistegui …

J’ai commencé à travailler sur de petits formats. Je dessinais sur des carnets et j’aimais graver sur le cuivre, pour y créer des paysages, des plantes et des arbres à la fois très denses et très précis. Les jardins sont devenus de plus en plus imaginaires, ont basculé vers le rêve. Puis les formats ont évolué, sont devenus plus grands, j’ai pris conscience doucement que je travaillais avec tout mon corps, debout souvent, dans la nature. Mon travail s’est libéré, les arbres aussi. J’ai découvert le lavis d’encre de Chine, et pour la gravure j’ai délaissé quelques temps l’eau forte, une technique un peu froide, pour la pointe sèche.

A cette période vous vous inspiriez beaucoup du travail des artistes du Siècle des Lumières, qui aimaient présenter une nature idéale et imaginaire ?

Oui, pendant près de vingt ans j’ai beaucoup travaillé autour des jardins français, italiens, les jardins de la seconde partie du 18ème siècle, entre le peigné et le sauvage. Je dessinais des univers très construits, totalement maîtrisés par l’homme. Je dessinais beaucoup d’arbres topiaires. J’aimais aussi les sculpter. A cette époque j’ai d’ailleurs réalisé un jardin topiaire chez Colette et Hubert Sainte Beuve à Planbessin en Normandie à Castillon.

Vous réalisez des projets pour de très belles Maisons.

J’ai commencé avec des décors de vitrines en trois dimensions. J’ai ensuite créé des carrés de soie pour Hermès, puis un service de table, les Maisons Enchantées, et un papier peint panoramique, Campagne Buissonnière.

Lors du vernissage organisé par Hermès pour le lancement des Maisons Enchantées, Dorothée Boissier et Patrick Gilles ont découvert et aimé mes lavis et m’ont invité à créer un décor pour le Café Artcurial du Rond-Point des Champs-Elysées. C’était la première de mes grandes réalisations in-situ. L’an dernier, j’ai également réalisé un plafond pour le restaurant l’Ambroisie à Macao (plus de 90 m2 à 5,5m du sol). Mais parallèlement je continue de créer de nombreux lavis pour mes expositions à Paris, Londres ou Chicago. La nature y devient de plus en plus sauvage et je fais beaucoup de portraits d’arbres singuliers, presque tous dessinés dans la nature, sauf les très grands formats que je réalise dans mon atelier. Ce qui me plait par-dessus tout dans un arbre c’est son identité, sa singularité, ses blessures, sa résilience.

D’ailleurs, dans cette nouvelle exposition, vos sujets sont plus tropicaux, plus sauvages que d’ordinaire.

La moitié de l’expo est consacrée à la végétation de Rio, où j’ai eu une résidence d’artiste il y a deux ans, et de Macao où j’ai travaillé ce projet pour L’Ambroisie. La végétation tropicale a été pour moi un grand choc : la richesse des formes des arbres, leurs feuillages, les fleurs, mais aussi les couleurs, la confrontation permanente entre la nature, le bitume ou le béton, la richesse, sous toutes ses formes, et la pauvreté, la chaleur et l’humidité permanente …

Ma façon de dessiner aussi est un peu différente, je conserve toujours un dessin précis, dense, mais je pense que le trait est plus enlevé, plus spontané. Ce n’est plus ma main qui guide mon crayon ou mon pinceau, ce sont mes yeux.

Le reste de l’exposition montre la végétation des bords de Loire, qui m’offre tout autre chose : la nature peut y être extrêmement singulière, belle, monstrueuse quelquefois, mais il faut la chercher pour la trouver. Les arbres montrent leur résilience face aux agressions de l’homme, du vent, des inondations … les paysages de bords de Loire sont superbes : l’équilibre me semble parfait entre l’eau, le sable, les ciels, les arbres et la petite végétation sauvage, et ces paysages sont ponctués de magnifiques architectures en tuffeaux et en ardoises. La meilleure façon, je crois, de montrer, de transcrire la Nature, est de respecter l’identité de chacun de ses éléments : le port d’un arbre, son feuillage, sa densité, l’identité de son tronc, l’identité du paysage lui-même.

Jacques Grange, 73 ans, est sans doute l’un des décorateurs français les plus connus à travers le monde. Il a décoré, aménagé, les résidences de Pierre Bergé et Yves Saint Laurent, notamment l’appartement de la rue de Babylone, celles de la Princesse Caroline de Hanovre, de Paloma Picasso ou le Palazzo Margherita de Francis Ford Coppola et sa fille Sofia. Des inspirations diverses, multiples, toujours très raffinées dont il dit souvent que la décoratrice Madeleine Castaing a été l’inspiratrice. Un goût très français, qui glisse doucement du classique au contemporain.

Depuis les années 1980, il vit dans l’ancien appartement de Colette, sur les jardins du Palais-Royal. La méridienne en lin beige capitonnée de l’écrivaine est là pour le rappeler. Ici, celui qui a fait ses premiers pas dans le métier avec l’antiquaire et décorateur Henri Samuel, a créé un décor qui mélange les époques, les styles et les pays pour le mobilier comme pour les oeuvres d’art : Alexandre Noll côtoie Max Ernst, Damien Hirst Jean-Michel Franck, Gerrit Thomas Rietveld Victor Brauner, Niki de Saint-Phalle Pablo Picasso, Daniel Buren ou François-Xavier Lalanne.

Mais Jacques Grange a aussi, depuis les années 60, constitué l’une des plus belles collections françaises d’art et de design, dont il a décidé de se séparer, pour partie, le 21 novembre dernier chez Sotheby’s : “Collectionneur cosmopolite et insatiable, Jacques Grange a composé sa collection comme un carnet de voyage où chaque meuble, objet, photographie, peinture ou sculpture, pétri de références culturelles, témoigne d’un souvenir, d’une découverte ou d’une rencontre, raconte la célèbre Maison de Vente, mêlant avec érudition, légèreté et sensibilité, art moderne et contemporain, design du XXe siècle, photographie, antiquité, dessins du XIXe et oeuvres symbolistes”. Le décorateur n’avait pas vraiment le désir de se séparer de ces oeuvres mais il trouvait qu’elles avaient envahi son appartement.

Une vente extraordinaire précédée d’un dîner concocté par Françoise Dumas, son amie de toujours, où se sont retrouvés nombre de ses amis, de Caroline De Monaco à Terry de Gunzburg, Olivier Gabet, Pierre Passebon ou Isabelle Adjani. Chacun des convives est reparti avec un sac bleu Sotheby’s à son nom, contenant quelques surprises, mais aussi un cadeau de Jacques, un livre qui l’a inspiré dans sa vie de décorateur.

“C’est la première fois et la dernière que je vends mes trésors (…) Je fais un peu le vide, pour acheter de nouveaux objets. Je fais ma crise d’adolescence !”, a confié Jacques Grange dans Le Monde, mais de ses amis, ce grand sentimental, a gardé tous les cadeaux.

 

Depuis la création de sa galerie, elle est la seule, à Paris, à éditer des bijoux d’artistes. D’autres bien sûr lui ont ouvert la voie, mais aucun, aujourd’hui, n’a ce travail à la fois aussi large et pointu d’édition, de production et de diffusion.

Avant de se lancer dans cette aventure, Esther de Beaucé a toujours vécu et évolué parmi les artistes et les collectionneurs et c’est donc vers l’art contemporain, sa passion, qu’elle s’est d’abord tournée, en créant une première galerie qui défendait le travail de jeunes artistes. Cette expérience lui a très vite donné envie de continuer à travailler avec eux, mais d’une manière différente.

Elle constate alors qu’à Paris il n’y a plus d’éditeurs de bijoux d’artistes et c’est un domaine qu’elle connait bien puisqu’elle est la fille de Diane Venet, qui en possède l’une des plus jolies collections

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Esther n’a pas alors vraiment de culture du bijou proprement dit, elle n’a jamais travaillé avec des orfèvres, mais elle a un lien ténu avec ces sculptures miniatures et se lance en choisissant Saint-Germain des prés et le Carré Rive Gauche pour cette deuxième galerie. Elle y trouve un univers foisonnant qui mélange arts décos et art contemporain, où le bijou d’artiste trouve naturellement sa place.

Passer de l’échelle Un, celle d’une œuvre, à l’échelle Deux, celle du corps lui permet tout de suite de travailler avec des artistes très connus qui trouvent là une autre manière de s’exprimer, un nouveau champ de création : François Morellet, qui est le premier à lui dessiner un projet, Bernar Venet, Claude Lévêque, Andres Serrano, Barthélémy Toguo, Pablo Reinoso, Sophia Vari, Phillip King, Françoise Petrovitch, Miguel Chevalier, Vera Molnar … mais aussi de plus jeunes artistes comme Nicolas Buffe.

Elle fait d’abord appel à des artistes dont elle aime le travail plastique. Ce sont plus souvent des sculpteurs que des peintres car l’appréhension du volume leur est familière, mais Esther travaille aussi avec des designers comme Constance Guisset, Christian Ghion, François Azambourg, David Dubois, Nestor Perkal, Cedric Ragot, Pierre Gonalons et Frédéric Ruyant.

Chez MiniMasterpiece, la visite se fait autour d’un meuble à mille facettes où l’artiste et scénographe Yann Delacour crée de nouvelles scénographies à chaque exposition. Comme un panorama miniature de l’art contemporain, on passe sur quelques mètres d’un artiste à un autre, du cinétique au baroque, découvrant les formes, les matières et même les couleurs, identifiant parfois l’artiste ou laissant Esther nous glisser son nom. Mais dans chaque pièce on peut reconnaître l’ADN du travail de chacun. Ce sont des bijoux parce qu’ils peuvent être portés, mais ils restent avant tout des œuvres d’art.

Aux artistes, Esther laisse une liberté totale dans la création. La seule contrainte pour eux est que leur œuvre puisse être portée. Ils peuvent donc utiliser tous les matériaux, des métaux précieux, l’or, le vermeil l’argent, aux matières brutes comme le ciment, mais aussi le bois, l’ambre, la résine, les émaux, les possibilités sont presque infinies.

Quand leur projet est terminé, ils lui donnent un dessin, une maquette ou une cire, qu’elle confie à son tour à des orfèvres, auprès desquels elle suit toutes les étapes de fabrication du bijou. Cette année pour la première fois, elle collabore avec la Manufacture de Sèvres qui interviendra pour les pièces en porcelaine d’un bijou de Nicolas Buffe.

Porter un bijou d’artiste est un vrai parti pris, ce sont des pièces fortes, que l’on porte différemment, mais s’en offrir un est-il si facile ? Plutôt oui. La galerie offre un spectre très large de prix, souvent très raisonnables au regard du bijou traditionnel, pour des pièces qui sont uniques ou à éditions très limitées.

Et la galerie collabore aussi régulièrement pour des éditions plus larges avec les librairies des Musées pour leurs grandes expositions : le Centre Georges Pompidou, la Fondation Vuitton ou le Musée des Arts Décoratifs, comme aujourd’hui pour « Bijoux d’artistes », avec une paire de boucles d’oreilles de Carlos Cruz-Diez, artiste cinétique, que l’on va s’empresser de porter au printemps. Esther sera elle à New York, pour Collective Design où elle présentera ses bijoux à un public américain qui en est si friand.

Photos © Yann Delacour

Galerie MiniMASTERPIECE

16 rue des Saints-Pères 75007 Paris

01 42 61 37 82

Alexandre, tu as été pendant deux ans le président du Carré Rive Gauche, dis-nous quelques mots sur cette association unique au monde.

Il s’agit de la plus ancienne association d’antiquaires et de galeries d’art au monde. Elle existe aujourd’hui depuis 40 ans. Elle est composée d’une centaine de marchands présents dans les plus grandes manifestations mondiales telles que la Biennale ou TEFAF Maastricht et New York. Implantée en plein coeur de Paris, et du quartier latin, à côté du musée d’Orsay, en face du Louvre, cette association est reconnue dans le monde entier aussi grâce à son emplacement. Dans un cadre historique et un lieu chargé d’histoire, le Carré Rive Gauche est le lieu rêvé pour flâner, visiter et découvrir des chefs d’oeuvres d’art de l’Antiquité jusqu’au design contemporain.

Quand as-tu eu l’idée de créer le Fonds de Dotation Rive Gauche ?

L’idée du Fonds de Dotation Carré Rive Gauche a germé dans les années 2010. Le temps de construire ce projet, de le faire grandir et évoluer, d’écrire ses statuts et de faire les choses comme il se doit, les antiquaires du quartier m’ont élu afin de porter cette belle aventure philanthropique et de lui permettre d’éclore en 2015. Je suis le président du conseil d’administration depuis et très fier de l’être ! C’est une plateforme souple et participative formidable qui contribue à faire rayonner le patrimoine et le savoir-faire français, mais qui sert également à transmettre, notamment aux plus jeunes générations afin de susciter pourquoi pas, de nouvelles sensibilités pour l’art. Il a pour but également de montrer les marchands d’art du Carré Rive gauche sous un angle moins connus du grand public, celui de philanthropes et de mécènes.

Vous avez déja aidé à la réalisation de plusieurs projets depuis 2015.

Depuis le lancement du Fonds de Dotation, nous en sommes déjà à sept projets réalisés.  Nous avons la volonté de travailler avec des institutions différentes à chaque fois. Nous voulons aussi varier nos projets afin que tous les courants d’art du Carré Rive Gauche soient représentés. Nous nous sommes attelés à des restaurations patrimoniales comme ce fût le cas avec le Petit Palais, le Musée des Arts Décoratifs ou bientôt avec le Musée d’Orsay pour un projet qui va voir le jour avant la fin l’année. Des projets de transmission également puisque nous avons financé une journée pour les enfants au Mobilier National l’an dernier dans le cadre de l’Exposition Jean Lurçat. Des projets d’encouragement du savoir-faire des artisans comme l’année passée avec Sèvres – Cité de la céramique ou bien cette année en étant présent à la Biennale Révélations qui a eu lieu au grand Palais, afin de promouvoir le travail des artistes français. Enfin nous avons également réalisé une campagne de financement participatif pour mettre en lumière comme il se doit les oeuvres présentes dans la Chapelle Saint Louis de l’église Saint Thomas d’Aquin, le résultat sera visible les 16 et 17 septembre 2017 pendant les journées européennes du patrimoine.

Et toi, qu’est-ce qui t’a mené à te spécialiser dans la Haute Epoque  ?

Mon héritage familial ! Mes parents étaient antiquaires, ils sont aujourd’hui à la retraite mais j’ai été bercé dans ce milieu et cette période dès ma plus tendre enfance. A la maison ou lors des nombreux voyages que j’ai effectué avec eux. Nous avons toujours eu un lien fusionnel avec ce métier. C’est une période de l’Histoire de l’Art fascinante, dure parfois, plutôt austère, mais on y trouve une modernité sans pareille, tant dans les lignes que dans les matériaux. Je n’ai pas choisi la Haute Epoque, en réalité c’est elle qui l’a fait.

Tu te souviens de ton premier coup de foudre devant une oeuvre ?

Pas facile ! Mais je crois quand même que la première fois où j’ai vraiment été bluffé, c’était devant le David de Michel Ange à Florence. Surtout lorsque l’on est un enfant, c’est encore plus impressionnant. Je me souviens qu’au pied de cette sculpture, j’étais presque intimidé par la grandeur, la perfection et la force qui se dégage d’un tel chef-d’oeuvre.

As-u d’autres périodes de prédilection ?

Pas vraiment à vrai dire.. Je suis bien sûr attiré par beaucoup de choses et il est très important d’être curieux si l’on veut être un bon antiquaire. J’aime beaucoup de choses qui sont très variées, comme l’Antique bien sur, la peinture Impressionniste, il y a en ce moment une magnifique exposition sur les Portraits de Cézanne au Musée d’Orsay. L’Art Nouveau aussi, ou le beau 18ème français. Mais je ne suis jamais aussi troublé que devant l’art du Moyen Age, en entrant dans la pièce de la Dame à la Licorne au Musée de Cluny par exemple.

On a souvent une certaine image de l’antiquaire : un peu snob, un peu élitiste, enfermé dans son monde … Toi tu es tout le contraire : jeune, drôle, ouvert, tu accueilles les curieux et les collectionneurs de la même manière, avec la même chaleur.

Pour moi ce n’est pas un métier mais une passion ! C’est un plaisir et une chance d’exercer cette profession. C’est aussi un apprentissage permanent et des rencontres formidables. Nous sommes entourés de très belles choses, nous voyageons beaucoup, alors c’est une fête d’être antiquaire ! Je pense qu’une galerie, son image, son activité, ses œuvres, ne sont que les reflets de la personnalité et de la sensibilité du marchand. Et moi je suis dans mon métier comme je suis dans la vie.

Tu es un germanopratin plutôt gourmand et noctambule !  Parle-nous de tes lieux favoris ?

Pour satisfaire ma gourmandise, et en tant que voisin rue de Lille, mon bistrot préféré est le Bistrot de Paris où je me régale toujours. Nous avons la chance d’être dans un beau quartier de Paris et les bonnes tables sont nombreuses ici. Ce qui me convient parfaitement car j’aime changer de cuisine et d’ambiance souvent, que cela soit en passant du Pied de fouet rue saint Benoit, à un superbe bol de Ramen chez Ippudo rue Grégoire de Tours ou picorer chez Freddy’s rue de Seine. Quant à ma vie nocturne c’est un secret militaire bien gardé. Mais si vous vous voulez me croiser, tentez le Prescription rue Mazarine pour ses cocktails, la terrasse du Café de Flore, j’y adore l’ambiance de nuit, ou bien encore le Castor Club qui est un bar clandestin que je vous laisse trouver !

GALERIE ALEXANDRE PIATTI

29 rue de Lille 75007 Paris

01 40 20 94 90

www.fonds-carrerivegauche.com

L’expérience de la Couleur

Elle est sans doute l’un des éléments essentiels à la création d’un décor. On pense aujourd’hui tout en connaître et pourtant elle reste une source de recherches inépuisable. Le monde des couleurs a toujours éveillé la curiosité de l’homme, par sa diversité, sa complexité, mais aussi par son contenu émotionnel. Depuis des siècles, artistes, artisans, scientifiques, philosophes, historiens et psychologues s’interrogent, chacun à leur manière, sur la nature des couleurs et sur les moyens de s’en servir, de les reproduire ou de les mesurer. En 1823, Gœthe publie presque deux mille pages sous le titre de “Traité des couleurs ». Mais dès l’Antiquité les couleurs sont décrites par Aristote, qui les classe alors par rapport à leur luminosité entre le blanc et le noir, les teintes étant largement secondaires et leur rôle peu exploité. Au moyen-âge, la luminosité continue d’influencer la compréhension de la couleur et c’est au début du 14ème siècle que l’on découvre que l’ensemble des couleurs peuvent être obtenues à partir d’une base de trois primaires : le bleu, le rouge et le jaune. Plus tard, au 19ème, après les découvertes de Newton, Thomas Young s’apercevra qu’il n’est pas nécessaire de réutiliser tous les rayons du spectre pour reconstituer de la lumière blanche, mais que trois d’entre eux suffisent, le rouge, le vert et le bleu. On connaissait donc les couleurs primaires nécessaires au mélange des colorants, le cyan, le magenta et le jaune, mais personne n’avait imaginé que pour les rayons lumineux, il existait des couleurs primaires encore différentes.
Bref, si elle est un casse-tête pour certains, la couleur est toujours aujourd’hui une source de création infinie pour les coloristes, qui cherchent à s’approcher de la lumière en travaillant souvent dans l’ombre. Philippe Szczuka est l’un d’eux : discret, sensible, attentif au monde et à l’instant, il nous livre ici quelques-uns des secrets de ce travail patient et minutieux qu’il fait auprès des décorateurs, des scénographes, mais aussi des particuliers et nous présente ses propres recherches sur la couleur.

Philippe, comment présenteriez-vous le métier de coloriste à un néophyte ?

Le coloriste a une sensibilité particulière pour la perception et le rendu des couleurs. Dans le domaine des peintures décoratives par exemple, la couleur doit être intimement liée au lieu, elle évoque une forme de résonance ” musicale ” autour d’un accord de teintes, elle définit une présence et une fluidité qui englobent tous les éléments qui vont l’entourer, objets, matériaux ou encore tissus. Cette recherche se rapproche du travail de l’ensemblier pour les décors.

C’est durant vos études aux Arts Décos que vous avez décidé de vous y consacrer ?

Oui, avec deux belles rencontres, qui ont cristallisé mon intérêt pour la couleur et son utilisation dans le domaine des arts appliqués et décoratifs : Jean-Philippe Lenclos et Martine Duris. Tous deux ont façonné l’intérêt constant que j’avais déjà pour la couleur par une approche esthétique et sensorielle qui ne se limite pas uniquement à l’approche visuelle mais qui intègre ce sens à d’autres, comme le toucher et l’odorat. Puis j’ai fait d’autres belles rencontres dans monde de la décoration, notamment avec Frederic de Luca et la créatrice Belge Agnès Emery. Tous deux ont une approche personnelle et forte de la couleur.

Vous en avez-vous-même une approche très sensible.

Oui, j’ai abordé la couleur par des bases théoriques mais aussi sensibles, qui font écho à des sentiments comme l’empreinte du temps sur les objets, le cycle des saisons, les rapports entre la lumière et l’ombre. Un travail où la couleur semble en retrait, mais où elle est intimement liée à la matière, pas uniquement en surface mais aussi en profondeur. Comme le sentiment des choses et des lieux, c’est une expérience temporelle mais néanmoins très fugace : la couleur par rapport à son support, à la matière, à son environnement proche. Sa confrontation à la lumière, une sensation d’impermanence, où le métamérisme trouve vraiment toute sa signification.

Vous intervenez souvent auprès de décorateurs ou de designers ?

Nous avons récemment travaillé avec l’équipe du créateur Hubert Le Gall sur un projet de scénographie d’exposition. Il s’agissait de choisir des teintes dans les deux nuanciers Farrow&Ball afin d’être au plus proche du projet, du scénographe et de la commissaire d’exposition. Nous sommes toujours dans la suggestion et l’accompagnement des demandes des différents commanditaires. Par exemple, dans le cadre de la rénovation de l’Hôtel de Biron, le Musée Rodin, nous avons conçu un coloris sur mesure, Le Gris Biron, qui s’inspire des boiseries de l’une des salles d’exposition.

Quels sont les décorateurs qui vous inspirent ?

Oliver Gustav, Axel Vervoordt, et dans une moindre mesure Aurel Basedow.

Et vos couleurs favorites ?

Les tons naturels allant du brun / beige au gris, un espace d’investigation intemporel. Les demi-teintes ou les couleurs assourdies pour leur élégance et leur profondeur. Et de manière plus ponctuelle l’utilisation d’un accent de couleurs vives. J’aime associer des tonalités qui mettent en relief des niveaux de clarté différents et des niveaux de saturation autres, en évitant les contrastes trop marqués, dans un souci d’intemporalité.

En dehors de votre activité de conseil, vous faites aussi des recherches personnelles ?

Mes recherches portent beaucoup sur l’empreinte du temps, notamment sur les objets : l’usure naturelle, l’altération au contact de la lumière. Des recherches souvent liées au Wabi Sabi (cet art japonais qui consiste à chercher, reconnaître et accepter la beauté dans l’imperfection des choses autour de nous, à accepter qu’elle soit incomplète et impermanente) et au Nagori (la trace, la présence, l’atmosphère d’une chose qui n’est plus). La couleur doit être une invitation à la contemplation, à la méditation. Elle exprime des sentiments nuancés, la fugacité du moment présent intimement liée à la lumière et à la perception de la vie. C’est peut-être une quête d’absolu.

Vous avez créé une couleur pour Farrow&Ball ?

Un brun gris foncé que j’ai appelé Peat (Tourbe). Une tonalité qui évoque la glaise ou les teintes grises de l’aube et du crépuscule, comme l’altération naturelle d’une teinte foncée présentant un aspect légèrement délavé et changeant.

Vous vous inspirez beaucoup de tout ce qui vous entoure, d’un fruit qui sèche par exemple, ou bien d’un matériau trouvé par hasard, mais le travail des artistes est aussi très important pour vous ?

Oui, j’aime infiniment l’œuvre du peintre Giorgio Morandi, le travail photographique de Saul Leiter et de Cy twombly, ou le travail de céramistes, comme Ursula Morlay Price, Laurence Crespin et l’artiste japonaise Motoko Saigo.

Et avec les particuliers comment travaillez-vous ?

Le coloriste est aussi un catalyseur d’émotions. Dans mon travail pour l’éditeur anglais Farrow & Ball, je suis attentif à la demande du client, j’analyse avec son aide les volumes et les proportions des pièces, les matériaux, et de manière plus suggestive, j’essaie de matérialiser le reflet d’une pensée ou les désirs conscients ou inconscients de mon interlocuteur. Je prends en compte l’intérêt du client par rapport au nuancier, sa volonté de travailler une palette de tons neutres, de demi-teintes ou de couleurs plus affirmées. Je constitue une palette en privilégiant la fluidité des couleurs ou l’enchaînement des teintes. J’évite les ruptures trop affirmées dans le cadre de la rénovation d’un appartement, je peux m’accorder plus de souplesse dans le cadre d’une maison, où la couleur peut être travaillée par plateau ou étage. Pour la couleur d’une pièce, je mets l’accent sur la surface majoritaire, celle des murs, puis je propose une déclinaison pour le plafond et les huisseries.