Sculptures italiennes de la Renaissance 

Tout au long d’un parcours riche de 140 œuvres, cette exposition, co-organisée avec le musée du Castello Sforzesco de Milan, présente dans son contexte artistique la sculpture de la seconde moitié du 15^e siècle et du début du 16^e siècle, période considérée comme l’apogée de la Renaissance. À partir de Florence, une variété de styles s’épanouit alors de Venise jusqu’à Rome. La représentation de la figure humaine dans la diversité de ses mouvements prend alors des formes extrêmement novatrices. Ces recherches sur l’expression et les sentiments sont au cœur des démarches des plus grands sculpteurs de la période, depuis Donatello jusqu’à l’un des créateurs les plus célèbres de l’histoire, Michel-Ange. L’exposition propose également d’aller à la découverte d’artistes moins réputés, d’admirer des œuvres difficilement accessibles de par leur lieu de conservation (églises, petites communes, situation d’exposition dans les musées), afin de les remettre en lumière.

« Le Corps et l’Âme » fait suite à l’exposition « Le Printemps de la Renaissance » présentée en 2013 au Louvre et au Palazzo Strozzi et consacrée aux prémices de l’art de la Renaissance à Florence dans la première moitié du Quattrocento.

 
Trois parties majeures structurent l’exposition : Dans La fureur et la grâce, les compositions complexes s’attachent à traduire la force et l’exaspération des mouvements du corps, inspirées des modèles antiques, qu’on reconnait dans les œuvres d’Antonio del Pollaiolo, Francesco di Giorgio Martini ou Bertoldo, mettant en jeu autant la force et les torsions du corps masculin que l’effet expressif des plus intenses passions de l’âme. A contrario, des drapés élégants, entourant des corps majoritairement féminins, permettent aux artistes de révéler le charme de la figure humaine, qui débouche sur la représentation ultime de la grâce à travers le nu.
 
Emouvoir et convaincre souligne une volonté affirmée de toucher violemment, dans les représentations sacrées, l’âme du spectateur. À la suite du travail de Donatello autour de 1450, l’émotion et les mouvements de l’âme prennent une place déterminante au cœur des pratiques artistiques. Un véritable théâtre des sentiments se déploie en Italie du nord entre 1450 et 1520, en particulier dans les groupes de Déposition du Christ, tels ceux de Guido Mazzoni ou de Giovanni Angelo del Maino. Cette recherche du pathos religieux s’incarne également dans les émouvantes figures de Marie-Madeleine ou de Saint Jérôme qui fleurissent en Italie à cette période.  
 
Enfin, avec De Dionysos à Apollon, la réflexion inépuisable sur l’Antiquité classique s’exprime dans les œuvres élaborées à partir des modèles classiques comme le Tireur d’épine ou le Laocoon. Parallèlement au domaine de la peinture (avec le « style doux » du Pérugin ou du jeune Raphaël), la sculpture développe la recherche d’une nouvelle harmonie qui transcende le naturalisme des gestes et des sentiments extrêmes. Particulièrement vivante dans un classicisme affirmé en Vénétie et en Lombardie, cette quête d’une beauté expressive qui aspire à l’universel s’incarne également fortement en Toscane et à Rome où la Papauté de Jules II et de Léon X joue un rôle d’irrigation et d’unification stylistique.

Le stile dolce aboutira au commencement du XVI^e siècle  avec l’apparition du « sublime », mettant en place un nouveau classicisme sous l’impulsion de Raphaël et Michel-Ange.
Dès la fin du Quattrocento, Michel-Ange opère cette synthèse formelle qui intègre à la fois la connaissance scientifique des corps, un idéal absolu de beauté et la volonté de dépasser la nature par l’art. Cette recherche l’emmène à créer Les Esclaves du Louvre pour parvenir jusqu’à l’expression de l’ineffable dans ses dernières œuvres.

du 22 octobre 2020 au 18 décembre 2021

MUSÉE DU LOUVRE

« Il se réduit parfois à quelques traits de crayon jetés sur une feuille de papier mais souvent, il prend l’allure d’une véritable œuvre d’art tout en couleurs et en nuances : le dessin joaillier a ceci de particulier qu’il nous touche par sa beauté autant qu’il nous instruit sur le processus de création d’une pièce joaillière.
Peu étudié, peu publié, encore plus rarement exposé, le dessin joaillier reste méconnu du grand public. Il joue pourtant un rôle essentiel, servant de référence à l’ensemble des mains qui interviennent dans la création du bijou. Depuis la Renaissance, dessiner le bijou constitue l’étape première – primordiale pourrait-on dire –, celle qui donne vie à l’idée, celle qui permet à l’idée de devenir projet.
C’est à cet objet longtemps délaissé – outil technique au service des métiers mais aussi œuvre sensible – que L’École des Arts Joailliers souhaite rendre hommage, en s’intéressant à son histoire, sa technique, ses auteurs et son statut. Après avoir ouvert un chantier de recherche en 2018 sur le dessin joaillier, créé un cours sur ce sujet inédit, L’École est fière d’organiser la première exposition consacrée à ce thème abordé avec une approche aussi large.

Les œuvres sélectionnées couvrent un long XIXe siècle, qui débute dans les années 1760 et s’achève avec la Première Guerre mondiale ; elles ont été exécutées par de nombreux artistes ou dessinateurs, célèbres ou anonymes ; elles illustrent enfin une grande diversité de techniques et d’usages, qui disent l’intérêt et la richesse du sujet. Toutes proviennent du Fonds Van Cleef & Arpels sur la Culture Joaillière, fonds constitué à des fins de recherche, de présentation et d’utilisation pédagogique. En sortant de l’ombre le dessin joaillier à l’occasion de cette exposition, L’École des Arts Joailliers accomplit sa mission de partage de la culture joaillière. »

L’exposition présentera une soixantaine de dessins et plusieurs carnets, tous issus du Fonds Van Cleef & Arpels sur la Culture Joaillière, qui comprend une collection d’art graphique exceptionnelle présentée pour la première fois au grand public.

Un premier examen attentif de cette collection permet de rassembler un corpus d’une centaine d’œuvres qui couvrent un long XIXe siècle commençant dans les années 1770 et s’achevant avec la Première Guerre mondiale. Cette période reflète l’éclectisme d’un siècle qui juxtapose des modèles anciens et des artistes d’avant-garde. L’originalité de l’exposition réside dans l’association de grands ateliers tels Lalique ou Vever à des noms moins connus comme Paillet, Brédillard, Hatot, Mellerio Borgnis. À travers les différents dessins du corpus, l’exposition permettra de s’interroger sur ce qu’on dénomme « dessin joaillier ».

Plusieurs axes émergent. Le premier étant celui de sa mise en œuvre : techniques, supports utilisés, matériaux, normes de ce type de dessin… Ce qui mène à savoir qui en est l’auteur : un dessinateur joaillier, un dessinateur spécialisé, un artiste ? Combien de mains peuvent intervenir pour sa réalisation ? Enfin, reste la question de l’usage de ce dessin : à l’origine c’est avant tout un « outil technique » qui doit guider les différents corps de métiers dans la réalisation de la pièce, mais il est susceptible de devenir, avec le temps, une oeuvre d’art à part entière, admirée et recherchée pour ses qualités propres.

Accompagnée d’un livre coédité par Norma et L’École des Arts Joailliers, l’exposition ouvre un nouveau champ d’étude d’un art aux multiples fonctions.
La scénographie propose une expérience immersive à l’intérieur d’un espace entièrement dessiné, plongeant ainsi le visiteur dans un dessin grandeur nature.

Du 14 octobre 2021 au 14 février 2022

Ecole des Arts Joaillers

31 rue Danielle Casanova 75001 Paris

01 70 70 38 40

Le Club des Métiers bizarres

“Sans doute à cause du caractère présumé élitiste ou secret dont ils apprécient de s’entourer, de nombreux clubs ont dès leur apparition, jouit d’une réputation surestimée, attisant à leur égard les fantasmes de ceux qui n’en sont pas.

Parmi la multitude des clubs existant de par le monde, je me contenterai d’en citer cinq, dont l’importance n’est plus à démontrer : La Ligue des Rouquins, dont la mission hebdomadaire de chacun des membres est de recopier des pages de l’Encyclopædia Britannica ; Le Club des Milliardaires, dont les membres célibataires se réunissent une fois l’an afin de tirer au sort, à l’aide d’un grand saladier rempli de haricots blancs – dont un seul est noir -, celui qui devra se marier dans l’année sous peine de se voir retirer sa fortune ; le sinistre Club du Suicide qui ouvre les Nouvelles Mille et Une Nuits de R. L. Stevenson et dont un prince de Bohême mettra fin aux criminels agissements avec l’aide involontaire d’un jeune homme qui distribuait des tartes à la crème ; une société de recherches savantes et inutiles, dont on me pardonnera de taire le nom, et dont les membres étudient la science des solutions imaginaires ; enfin, le Club des Métiers Bizarres, fondé par G. K. Chesterton en 1937 et qui possède en outre la particularité que son tout premier sociétaire fut admis à titre posthume : Alexis Pechkov gagna en effet ce privilège en concevant avant tous l’existence de la courbe mystérieuse de la ligne droite.“

                                                                                                     Vincent Puente, Paris, octobre 2021

du 25 novembre au 11 décembre 2021

Galerie ARTHEME

31 rue de Beaune 75007 Paris

Pour cette rentrée, la galerie Olivier Waltman a décidé de nous inviter à passer au Salon ! Treize artistes de la galerie, designers, photographes, vidéastes et sculpteurs ont été invités à produire deux œuvres chacun pour les faire vivre dans un salon d’amateur. Pour l’occasion, la galerie s’est transformée en un intérieur chaleureux et propose une scénographie différente du « white cube » habituel.

A une époque où tout un chacun réinvestit son habitat avec un regard neuf et des nouveaux modes de vie et de travail à la maison, où certains en viennent à se délocaliser pour les mêmes motifs, l’intégration de l’œuvre d’art dans le cadre de vie n’est plus un tabou. Cette exposition se veut un exemple de mise en scène et une opportunité de faire dialoguer des artistes de différents pays !

Avec Tali Amitai-Tabib (photo), Philippe Calandre (photo), Fabien Chalon (vidéo), Stevens Dossou-Yovo (sculpture), Laurence Duca & Remy Peyrard (design), Stéphane Ducatteau (design), Rita Egli (sculpture), Jorge Enrique (peinture), Xavier Escribà (peinture), Jonathan Huxley (dessin), Alain le Boucher (sculpture électronique), Linda Tuloup (photo).

Du 4 septembre au 10 octobre 2021

GALERIE OLIVIER WALTMAN

74 Rue Mazarine 75006 Paris

 En partenariat avec Fabienne Martin, la galerie in camera lève le voile sur l’oeuvre de Laurence Sackman, photographe de mode culte des années 80. Laurence Sackman nait en 1948 à Wembley, banlieue du nord de Londres. Il débute dans la photographie à 14 ans en étant l’assistant d’un photographe de natures mortes, Sidney Pisan, qui exerce aussi la profession de dentiste. Auprès de Pisan, le jeune Sackman est initié au flash annulaire (« ring-flash ») que son mentor utilise à son cabinet médical comme dans son activité artistique. Quelques années plus tard, Sackman est l’un des premiers photographes de mode à user de ce type d’éclairage qui atténue les ombres.

L’apport de Laurence Sackman à la photographie ne saurait se résumer à de jolies lumières peaufinées en studio.
Son oeuvre, à la fois poétique et subversive, fortement teintée d’érotisme, est l’empreinte d’une sensibilité à vif. Une époque s’y reflète, où toutes les audaces sont permises.
Sa maîtrise exceptionnelle et son regard décapant éclosent à l’orée des « swinging sixties ». Londres, capitale de la culture pop, fait alors souffler un vent de liberté dans l’art, la musique, la mode. Agé de vingt ans en 1968, Sackman fait partie de cette jeunesse hédoniste, en pleine libération sexuelle, désireuse de vivre dans une société plus libérale et permissive. ll commence par photographier ses proches, sa femme Rémi, ses cousines. Les mannequins vedettes de la décennie prennent la pose devant son objectif : l’anglo-indienne Chandrika Casali muse de Guy Bourdin et de David Bailey, l’iconique Grace Jones, ou Renate Zatsch, égérie de Helmut Newton. Sans oublier Twiggy, modèle emblématique du « swinging London ». Les images de Laurence Sackman I sont souvent transgressives. Sa signature s’impose dans les magazines. Il travaille pour Esquire, Stern, Queen, le Sunday Times, Nova , le New-York Times. A Paris, le Jardin des Modes et Vogue Hommes le sollicitent.

Ami du photographe Steve Hiett qui le présente en 1970 à Claude Brouet, rédactrice en chef de Marie-Claire et à Emile Laugier son talentueux directeur artistique, Sackman ne laisse personne indifférent. Emile Laugier se souvient d’un jeune homme aux yeux brillants d’intelligence, d’une grande exigence, avec des idées de mise en scène très précises, sachant exactement ce qu’il veut. Alain Lekim, assistant de Laurence Sackman pendant quelques années, est fasciné par l’artiste au point qu’il abandonne un début de carrière très prometteur dans la photographie, pour se consacrer à lui. Le célèbre Paolo Roversi fut son assistant. Il trouve alors Sackman « difficile à vivre » mais témoigne « qu’il lui a tout appris ».

A cette époque, le nom de Sackman est sur toutes les lèvres dans le microcosme de la mode. On ne parle que de ses excentricités, et, surtout, de sa modernité, de son inventivité. Sackman réalise des campagnes publicitaires pour des marques en vue : Saint-Laurent, Audi, De Beers. Un jour, à la demande d’Yves Saint-Laurent en personne, Sackman participe à la réunion préparatoire d’une campagne au cours de laquelle s’échangent des idées. Que va -t-il proposer de son côté ? De faire les photos sur la lune….

Quand on l’interrogeait sur la postérité de son style, Helmut Newton se voyait deux héritiers : Laurence Sackman et Chris von Wagenheim. De fait, Sackman sera le photographe référent des années 80. En 1983, son dernier opus, une série de nus réalisée dans la chambre 65 de l’hôtel La Louisiane devient en quelque sorte son testament. Selon lui, la série constitue son travail le plus abouti. Souffrant de troubles psychiatriques, Laurence Sackman met fin à son activité de photographe en 1984. A ce propos, il confiera en 2017 : « Quand j’ai arrêté la photographie, j’ai eu le sentiment d’avoir fait tout ce que j’avais envie de faire. Je n’ai pas eu de regret. J’ai l’intime conviction que je me serais répété si j’avais continué. » Tel était Laurence Sackman, un corps céleste, une comète qui a traversé les années quatre-vingt.

Du 10 juin 2021 au 31 juillet 2021

IN CAMERA Galerie

21 rue Las Cases 75007 Paris